"Золотым" составом того или иного музыкального коллектива считается тот, в котором данный коллектив достиг наиболее общепризнанного творческого (а часто и пикового коммерческого) успеха. При этом период времени, который группа просуществовала в этом составе, значения не имеет - точно так же, как продолжительность её существования в каком-то другом составе не делает его золотым. В случае Helloween, эпоха золотого состава была очень недолгой - с осени 1986-го, когда вокалистом стал юный тогда-ещё-девственник Михаэль Киске, до 1 января 1989-го - дня, который Кай Хансен обозначил как дату своего ухода. Дальше, минимум с 1994-го, все ждали возвращения Хансена и Киске. Несмотря на удачные альбомы, которые вроде как расходились бОльшими тиражами, чем "Хранители семи ключей" и даже получали какие-то там золотые и платиновые сертификаты; несмотря на стабильный состав и такое же стабильное положение в мире металла - без Кая и Михи Helloween был "уже не торт".

Естественно, новость о воссоединении вызвала фурор. Пусть полностью возродить золотой состав уже невозможно (R.I.P. Инго Швихтенберг). Пусть даже в нынешнем составе получилось три вокалиста и три гитариста (всё же это довольно благородный поступок - не выгнать никого из группы ради реюниона). Тур, конечно же, был очень успешным, а новый альбом должен был стать отличным поводом для его возобновления - только вот пандемия нарушила планы, и напоминать о себе в этом году пришлось одним лишь альбомом. И тут стало понятно, какую же свинью подложили группе все эти карантины. Ведь одно дело - акцент на туре, и несколько песен с нового альбома в треклисте. И совсем другое - получить только альбом, в котором сразу же бросаются в уши все его недостатки.

А недостаток у альбома один, зато огромный - это его музыкальный материал (не будем говорить о качестве записи, хотя звук барабанов, например, настойчиво наводит на мысль "А был ли Дани?"). Я далеко не считаю Helloween исписавшейся группой. В каждом из их альбомов по крайней мере начиная с середины нулевых было хотя бы несколько выдающихся номеров, оправдывающих выпуск диска. Откровенной неудачей мне показался лишь предпоследний "My God-Given Right", который я не переслушивал с 2015 года - но после нового альбома как-то подумалось, что "надо дать ему шанс". Рецензент Loudwire, ранжировавший альбомы Helloween от худшего к лучшему, написал о "...Right" (который он поставил на предпоследнее место, пропустив "вперед" только "Chameleon"), что эти темы мы слышали бесчисленное количество раз, только с более яркими мелодиями и сыгранные с большим энтузиазмом. При первых прослушиваниях одноимённого с группой опуса постоянно думал о том, что вот оно - самое точное определение для его музыки. Вроде как Киске и Дерис грамотно поделили вокальные партии, Хансен периодически поёт какие-то кусочки и бэки (уверен, что так же периодически я его путаю с Дерисом) - но нет чувства, что это что-то большее, чем стандартный альбом дерисовского Helloween. Песни проносятся мимо на больших (или не очень) скоростях, не оседая в голове, и ко второй половине как-то уже даже перестаёшь обращать внимание, кто где поёт. О каких-то вещах, по запоминаемости достойных "World of Fantasy", "Raise the Noise", "Dreambound" или "Straight Out of Hell" с последних альбомов говорить вообще не приходится. Да, это действительно какой-то один сплошной 65-минутный повод для тура, без особых творческих заморочек.

Впрочем, переслушав данное творение несколько раз с упорством старого фанатика Helloween, я начал потихоньку в него "въезжать". Всё же, несмотря на всю банальность материала, талант не пропьёшь, и выдающиеся на общем фоне песни здесь есть. Довольно неплохой оказалась открывашка "Out For the Glory". Явно выделяется чуть ли не танцевальная "Best Time". Сами музыканты в качестве источника вдохновения для неё указывали Билли Айдола, но у меня ассоциации возникают, конечно же, в первую очередь с юнисониковской "Exceptional". Довольно неплохой получилась жесткая и скоростная "Indestructible" - правда, чувство такое, что вокал Киске тут лишний, и лучше бы Энди целиком её спел. Коротенькая и цепляющая "Cyanide" - явная удача. На удивление интересна "Down in the Dumps" - и структура, и припев в исполнении Киске. Кажется, в ней наиболее органично взаимодействие двух вокалистов. И, конечно, никакой логике не поддаётся решение группы не включать в альбом замечательную "Golden Times", которая куда ближе к её классическому творчеству, чем что-либо из "основного" материала. А вот "Skyfall", на мой взгляд - не самый удачный эпик как Helloween, так и Хансена. Начинается он довольно энергично, но во второй части затухает, а без затянутых песнопений в конце можно было бы обойтись. Да и научно-фантастическая тематика лирики характерна скорее для Gamma Ray, чем для Helloween.

Это не великий альбом. И вряд ли его можно назвать классической работой группы. На мой взгляд, он хуже нескольких работ группы, выпущенных в нулевых и десятых - а ведь это даже не самый сильный её период. Но всё же, слишком занижать оценку не буду. Во-первых, воссоединение с Хансеном и Киске и запись нового материала с ними - событие выдающееся, несмотря ни на что. Во-вторых, очень сложно поверить, что люди, много лет существовавшие порознь и говорившие друг о друге гадости в прессе, вдруг забыли все старые разногласия и стали лучшими друзьями. Поэтому никакой уверенности в том, что в будущем мы получим новую музыку от этого состава, нет. А ещё - у альбома очень красивая обложка, особенно на фоне двух его непосредственных предшественников. И это - тоже плюс.

Kiskenbassker   9 июл 2021

Думаю, не ошибусь, если скажу, что наиболее значительное из многочисленных изменений, произошедших в составе "Мастера" за 30 с лишним лет существования - это уход из группы в 1993 году Андрея Большакова. Именно Андрею "мастера" обязаны если не своим появлением на свет (к чему приложили руку и Алик Грановский, и Игорь Молчанов), то уж точно ориентацией на трэш и львиной долей своего успеха на одной шестой части земного шара в конце 80-х - начале 90-х годов. Не говоря уже о его композиторском вкладе в первые пластинки группы. Можно как угодно оценивать творчество "Мастера" без Большакова (на мой взгляд, там хватает хорошего материала) - но факт то, что такого "пробивного" руководителя - коммуникативного, с хорошими организаторскими способностями и огромным стремлением к успеху - у группы не было уже никогда. И даже самые лучшие их работы после 93-го не получили той популярности, которую они достойны были иметь.

Именно поэтому третий альбом "Мастера", и последний с Большаковым в составе, вне зависимости от своих музыкальных достоинств, воспринимается по-особенному - как некий "конец прекрасной эпохи", которая уже никогда не повторится. На момент его записи в рядах "мастеров" царили разброд и шатание. Долгие пребывания в Бельгии, куда группа стала часто выезжать в надежде распространить свою популярность на Западную Европу (Большаков позже говорил, что он хотел продвинуть "Мастер" в первый эшелон мирового трэша, рядом с Kreator и Sepultura), обернулись для нее снижением этой самой популярности в родной стране. А в Европе желанного успеха так и не удалось обрести; более того, столкновение наивных советских музыкантов с реалиями западного шоу-бизнеса привело к ухудшению отношений в коллективе и распаду "золотого" состава. Как результат - на момент записи "Talk of the Devil" в группе было всего три постоянных участника, и альбом помогали записывать пара сессионных гитаристов (среди которых оказался и Сергей Попов, еще недавно участвовавший в "Мастере" на постоянной основе) и несколько барабанщиков. У Андрея Большакова на тот момент уже начались серьёзные проблемы со здоровьем, плюс для него это было время духовных исканий, которые в конечном итоге приведут к уходу из группы и кардинальной перемене образа жизни. Всё это, конечно, не могло не отразиться на музыке и текстах.

Большая часть материала сочинялась ещё "золотым" составом группы для альбома "Empire of Evil", который должен был выйти в Западной Европе, и отражает растущее стремление Большакова к ужесточению музыки, с ориентацией на европейскую публику (и фанатов экстремального трэша в родной стране). Его увлечение Sepultura в то время особенно отражается в заглавной "Talk of the Devil", где рифф во вступительной части вызывает явные ассоциации с "Inner Self", а сама песня напоминает "Beneath the Remains". Михаил Серышев начал петь ниже, временами даже рычать, и тут тоже сразу приходит на ум вокал Макса Кавалеры. Мелодичных гитарных партий и запоминающихся вокальных мелодий стало куда меньше, чем раньше. Тексты тоже изменились - вместо антивоенного и социального пафоса здесь в основном претензии на философию - поднимаются темы зла, царящего в мире, и душевные метания человека, ищущего смысл жизни в этом мире. Лирика вроде "Talk of the Devil" и "Fallen Angel" позже доставит много неудобств Андрею, который непременным условием своего участия в юбилейных концертах "Мастера" будет ставить отсутствие в сет-листе песен с этого альбома, а в интервью объяснять, что, мол, это никакой не разговор с дьяволом, а просто английское идиоматическое выражение, соответствующее русскому "Лёгок на помине". На тот же момент времени эти тексты, кажется, очень хорошо отражали его внутреннее состояние.

В первой половине альбома в первую очередь выделяется "Падший ангел", впрочем, можно выделить и заглавный трек, и апокалиптическую "Danger" Попова. Вторая половина менее экстремальна за счёт мелодичной композиции Алика Грановского "Heroes" (одной из лучших на альбоме) и его же красивого басового соло "Romance", а также раздолбайской "I Hate Your Sex" Большакова. Впрочем, раздолбайская в ней только музыка, написанная под влиянием S.O.D., а текст очень даже серьёзный, отражающий усталость от разгульного образа жизни - "Now I need something else, more than body can wish". Для увеличения хронометража альбом добили кавером на "Paranoid" - лично мне эта "трэш-версия" напоминает творчество "Ансамбля металлического шлягера" под управлением Кирилла Немоляева.

Вряд ли альбом "Empire of Evil", основанный на этом материале (даже при наличии нескольких перезаписанных по-английски песен с предыдущих пластинок) стал бы рядом с "Beneath the Remains", "Arise" или "Coma of Souls". Особенно в 1992 году, когда эпоха трэша уже прошла, а ведущие группы этого жанра поголовно меняли стиль и искали новое звучание. Поклонники же из бывшего СССР подобную немелодичную музыку с текстами на буржуйском языке тоже не восприняли, и рецензии на него были в основном не очень позитивными. Со временем, впрочем, отношение изменилось. По сути, "Talk of the Devil" - это единственный настоящий трэшевый альбом "Мастера". Не "С петлёй на шее", стиль которого сам Большаков определил как "поп-трэш" (а Грановский как "пародию на трэш"), и не "Maniac Party", где уже появились элементы грув- и прог-метал, и уж тем более не остальная дискография, которая всё дальше уходила от этого жанра. За этот факт, а также за то, что это последний альбом с Андреем Большаковым, добавляю к оценке дополнительный балл.

Kiskenbassker  30 янв 2021

Моя реакция на этот альбом после первого (да и второго, и третьего) прослушивания была: "Что за... ? Вы издеваетесь?" Metal Church, казалось, только пару лет назад начали вылезать из глубокой дыры, в которой находились с начала двухтысячных - вернули классического вокалиста Майка Хоу, о котором ничего не было слышно уже два десятилетия, записали лучший за много лет альбом 'XI', который даже в чарте Billboard засветился (тоже впервые за много лет). И тут вдруг такое вот продолжение. Обложка, по отвратности соперничающая с охаянной всеми, включая самих музыкантов, картинкой на 'Handing in the Balance' 1993 года. Десять песен, в которых уху, казалось, совершенно не за что было зацепиться. И ни на одном из изданий ни единого бонус-трека, который мог бы улучшить впечатление - везде всё те же десять песен. Нет, с таким материалом вам, ребята, точно не побить своего наивысшего достижения в Billboard (заключавшегося в достижении 57-го места в 2016 году)!

Один из основных моментов, который меня поразил с самого начала - это то, что 10 треков альбома растянулись всего на 45 минут. На 'XI' их было на один больше - но длился он почти час. Как так вышло, что группа, написавшая такие замечательные эпики, как 'Anthem To The Estranged', 'In Harm's Way', 'End Of The Age'... да те же 'Signal Path' или 'Sky Falls In' с предыдущего альбома, вдруг начала ориентироваться на 4-5 минутный формат? И что за прямолинейный материал? Где чистые проигрыши, акустическая гитара, меллотрон, в конце концов? (Ладно, в 'Revolution Underway' что-то такое слышно.) Где многочастные 8-9 минутные композиции? Даже с Монро минимум одна была в каждом альбоме! А тут песни пролетают быстро, друг за другом - одна быстрее, другая медленнее, в одной риффы ближе к трэшевым, в другой - классический хэви-метал. И нет ничего, запоминающегося с первого раза. Когда слушал 'XI', минимум 5 первых вещей в нём легли на слух после первой пары прослушиваний. Короче говоря, с 'Damned If You Do' меня постигло глубокое разочарование, и я ушёл переслушивать классические альбомы "Церкви". Ну и тот же 'XI', который на фоне 'Damned...' казался настоящим шедевром.

Прозрение наступило почти через два года. Когда в очередной раз почувствовал, что материал с 'XI' так же легко вылетает из ушей, как и влетает в них, и восторга от него у меня остаётся всё меньше и меньше. И когда при очередном прослушивании 'Damned...' вдруг оказалось, что заглавный трек очень даже неплох... да и второй тоже. Потом и четвёртый зацепил... а когда послушал ещё несколько раз, оказалось, что альбом вообще очень даже неплохой. Особенно если поставить его сразу после какого-то из альбомов эпохи Ронни Монро - разница в энергетике сразу ощутима. И пусть диск довольно ровный, без каких-то очень ярких моментов - но на нём нет и явных провалов, без которых точно не обходился ни один альбом Metal Church с 1999 года. Есть что выделить - заглавную 'Damned If You Do' (только вот завывания эти дурацкие в начале и в конце совсем лишние); 'The Black Things', где чистая гитара и риффы в куплете в очередной раз напоминают о 'Badlands' (да, там есть чистая гитара, простите, вначале не заметил), но от этого она хуже не становится; 'Revolution Underway'; околотрэшевые 'Guillotine' и 'Rot Away'; 'Out Of Balance' с запоминающимся припевом.

Конечно, по эпикам скучаешь. Но, слушая последние альбомы "Церкви", думаешь - а нужны ли они здесь? Если это 8-минутное произведение, из которого можно слушать максимум первые 3 минуты, а остальное просто навевает скуку? Если эпик испорчен вокальной партией, написанной будто бы под Брюса Дикинсона? Если писать грандиозный материал или экспериментировать с новыми формами просто не получается, наверно, лучше сделать так, как Вандерхуф, Хоу и компания на 'Damned If You Do' - выдать десяток не слишком выдающихся, но ровных и энергичных номеров. В Billboard Top 200 высоко не поднимешься (этот альбом туда вообще не попал), и много новых поклонников не обретёшь - зато старым точно доставишь удовольствие.

Kiskenbassker   3 окт 2020

Первый альбом Metal Church обладает чертами в какой-то мере характерными для дебюта почти любой хорошей "тяжелой" группы. На нем уже в полной мере представлен фирменный стиль "Церкви" - смесь из ужесточенного классического хэви-метал и спид/трэш, которую в то время в Америке было принято называть "пауэр-метал". Уже присутствует кричащий фальцетный вокал (в то время - в исполнении Дэвида Уэйна), который тоже стал "фишкой" группы. Уже виден высокий потенциал "Церкви", которая способна сочинять как скоростные боевики, так и среднетемповые номера, и эпический материал. И, как это часто бывает на дебютных альбомах, в музыке присутствует некая хаотичность.

"Хэви"-элементы альбома в основном собраны в первой его половине, где находится отличный запоминающийся номер одного с группой (и альбомом) названия, а также эпическая "Beyond the Black" и полубаллада "Gods of Wrath". Последняя, кстати, демонстрирует довольно неплохие способности Дэвида Уэйна петь чистым голосом - на мой взгляд, у него это получается лучше чем у Майка Хоу, который станет вокалистом "Церкви" несколько лет спустя. Но в целом, эти две вещи оставляют ощущение недоработанности - не покидает ощущение, что в них могли быть более продуманные вокальные линии, с гораздо меньшим количеством воплей. Вторая же половина - это скоростные, энергичные и прямолинейные номера (думаю, что не ошибусь, если скажу, что такой материал был больше по душе первому вокалисту группы Уэйну, чем сложные и затянутые эпики). Среди них самыми удачными я считаю "(My Favorite) Nightmare" и особенно "Batallions", с ее сочетанием скорости и мелодии (и да, скоростной инструментал "Merciless Onslaught" из первой половины альбома - тоже его несомненная удача). Также очень хорошо сюда вписалась быстрая (куда быстрее оригинала) и хаотичная, абсолютно в духе альбома, версия Deep Purple-овской классики "Highway Star".

Несмотря на недостатки альбома, у него есть одно несомненное достоинство - во всех без исключения композициях чувствуется бьющая через край энергия. Поэтому эта работа - бесспорная классика Metal Church, дающая фору многим поздним их записям (особенно "нулевых" годов), более продуманным, но и куда более вымученным. И она заслуживает высокой оценки. Хотя свой лучший материал группе еще предстоит записать в будущем.

Kiskenbassker  23 мар 2020

Калифорнийская команда с неудачным названием "Драгоценная смерть" - одни из лучших представителей жанра "христианский метал". Вообще, слушая группы данного направления и читая о нем в Сети, складывается впечатление, что христианским метал-командам совсем не обязательно искать собственное лицо или хотя бы пытаться писать запоминающиеся песни. Играют они в основном для "своих", а "свои" будут их любить уже за то, что они славят Христа, а не Сотону и всевозможный разврат, как "мирские" группы. Так что можно смело копировать наиболее известные в миру коллективы, и ничего не бояться.

Precious Death, по крайней мере на этом альбоме - скорее исключение из правил. Их музыку сложно отнести к какому-то конкретному направлению, но группу точно не упрекнуть в отсутствии оригинальности. По той скудной информации, которую я нашел о них в Сети, выходит, что образовалась группа еще в конце 80-х, долго существовала в андеграунде без контракта, в 1991 году выпустила свое первое и единственное "вонючее" демо (да, оно так и называлось - "Our Stinkin' Demo"), и только к 1993-му добралась до записи дебютного альбома. Возможно, те перемены в тяжелой музыке, которые произошли за это время, повлияли на них, но в результате на этом альбоме мы имеем ни на что не похожую смесь из тяжелых стилей 80-х и 90-х годов. Риффы и соло, которые играет гитарист Дэвид Бишоп, достойны трэшеров Bay Area - точнее, наиболее медленных частей их песен, потому что скоростью группа не увлекается - 90-е же на дворе! Металлический звук и риффинг говорят о том, что корни Precious Death - в метале 80-х. Но при этом они, а особенно басист Энди Кёйлер и барабанщик (по совместительству лидер группы) Роджер Сэмпсон, явно тяготеют к экспериментам с жанрами, характерным для 90-х годов. Особенно им нравится фанк: такие запоминающиеся вещи, как "Shine" и "Strange to Me" вполне можно сравнить с творчеством пионеров смешения фанка и харда Fishbone или Living Colour, только вот у Precious Death все звучит куда жестче. Распевный вокал Кристофера Скотта, которому трудно подобрать аналоги, все же вызывает ассоциации скорее с альтернативной музыкой 90-х и более поздних периодов, чем с вокалистами предыдущего десятилетия.

Альбом воспринимается далеко не сразу - понимать эту музыку начинаешь только после нескольких прослушиваний. Но, на мой взгляд, она стоит того, чтобы слушать много раз и пытаться понять. Среди лучших моментов "Southpaw" я бы назвал уже упомянутые "Shine" и "Strange to Me", а также вторую половину диска: монументальную "Talk About the Weather", которая начинается со вступления в джазовом (!!) стиле и переходит в энергичный и эмоциональный среднетемповый номер; "King of Siam", которая, пожалуй, ближе всего к "классическому" трэш-металу и прог-фанк-трэш "Force Fed". Ну а для тех, кто дослушает альбом до конца, наградой станет завершающая его красивая баллада "One Day to Live". Остается только пожалеть, что все дальнейшее творчество Precious Death не дотягивает до уровня этого альбома, поскольку баланс у них все больше и больше смещался в сторону альтернативного рока, а музыка, соответственно, упрощалась, не становясь при этом более цепляющей. В конце 90-х группа прекратила свое существование, не добившись, кажется, особого успеха даже среди поклонников христианского метала.

Kiskenbassker  27 дек 2018

Бельгийцы Yosh — коллектив, скажем так, подзабытый. Информации о них практически никакой нет, все, что осталось — это гуляющие по Сети два альбома, да еще пара демок, которые числятся в дискографии, но которых по факту нигде не найдешь. Диск 1991 года, незамысловато названный по дате его выхода — первая из доступных записей Yosh.

Несмотря на то, что группа везде позиционируется как трэшевая, этот альбом не является чистым трэшем. Скорее, это хэви-трэш, чем-то напоминающий дебютник американцев Heathen 'Breaking the Silence'. Скоростные спид-трэшевые риффы смешаны здесь с типично NWOBHM-овским фальцетом вокалиста, который выводит запоминающиеся и довольно позитивные мелодии. Но, как и на Heathen-овском дебютнике, выдающихся песен не так много. Самый лучший, по-настоящему сильный номер — открывающий 6-минутный эпик "Promulgation", еще выделяются 'Under the Spell', "The Messiah" и, пожалуй, последняя "Flight of an Eagle". Попытка написать пауэр-балладу ("Heart of Stone") у группы не удалась, а два коротеньких инструментала ("Zephyr" и "Rosametal") звучат как-то невнятно.

Вообще, первая половина (первая сторона оригинального издания на пластинке) получилась лучше второй, и альбом к концу прослушивания начинает наскучивать (хотя длится всего полчаса). Учитывая это, а также время его выхода, совсем неудивительно, что пластинка канула в Лету, не оставив никакого следа. В 1991 году такая музыка уже была безнадежно устаревшей, и могла заинтересовать разве что небольшую группу фанатов. Следующее творение Yosh получится гораздо лучше.

Kiskenbassker   2 фев 2015

Первый альбом проекта Яна Рида Fire+Ice, видимо, создавался еще под влиянием предыдущей группы Рида, Sol Invictus, поскольку явно отличается от его последующего творчества. Как и на последней пластинке Sol Invictus с участием Рида, "Trees In Winter", здесь в основном звучит не акустическая, а электрогитара, что для дарк-фолк альбома — необычное явление. Даже явные фолковые баллады здесь исполняются под аккомпанемент «чистой» электрогитары. Выделяется бас-гитара, которая время от времени играет очень интересные партии. А некоторые песни, такие как "Fire Above" (с искаженным гитарным звуком и четким ритмом), не имеют никакого отношения к фолку, напоминая больше пост-панк. Но как по мне, это не недостаток альбома, а скорее достоинство.

На этом альбоме уже проявился талант Рида к сочинению мелодичных песен — например, "Corpus Christi". Также Ян заложил традицию включения в альбомы народных песен, исполнив грустную и скучную староанглийскую балладу "Long Lankin" и отличную версию знаменитой шотландской песни о Джоне Ячменное Зерно ("Sir John Barleycorn"). Также уже проявилось и его увлечение скандинавской мифологией ("Ljósálfar"). Но настоящим шедевром альбома стал эпический заглавный трек. Музыка, построенная на довольно простых, но завораживающих партиях гитары, баса и клавишных, и мелодия, оставляют такое сильное впечатление, что, думаю, такую песню было бы не стыдно написать даже «динозаврам» рока, вроде Pink Floyd. На этом фоне Яну Риду можно даже простить тот факт, что текст "Gilded By The Sun" он нагло сплагиатил из романа 1986 года автора фэнтези Майкла Скотта Роэна «Зима мира», заменив название вымышленной страны Кербрайн на Альбион.

Мне очень нравится, что альбом получился разнообразным, но одновременно очень дарк-фолковым по духу. Для такой, мягко говоря, не слишком динамичной и разнообразной музыки, как дарк-фолк, он звучит как настоящий шедевр. Поэтому заслуживает высокой оценки.

Kiskenbassker  19 сен 2014

Имя Сида Барретта с конца 60-х обросло огромным количеством легенд. Немногие помнят его в ту эпоху, когда он был вполне нормальным и находился в расцвете сил. Куда более известна история его безумия, несостоявшейся и трагической судьбы, растиражированная в том числе и с помощью основанной им группы Pink Floyd. В 2000-х годах Роджер Уотерс утверждал, что влияние Сида на Pink Floyd кажется гораздо большим, чем это было на самом деле, и свои лучшие произведения они создали без его участия.

На самом же деле, даже если считать, что влияние Сида на музыку Pink Floyd и вообще мировой рок преувеличено, нужно признать, что он был очень яркой и талантливой личностью. Его талант потрясающе проявился на первом альбоме "Флойдов" - и продолжил проявляться на его первом сольнике после ухода из Pink Floyd, даже несмотря на сильное увлечение ЛСД и прогрессирующее психическое заболевание.

"The Madcap Laughs" - работа, над которой Сид работал с энтузиазмом, и на диске много интересных моментов. Конечно, здесь уже нет магии "The Piper at the Gates of Dawn", но по-прежнему проявляется талант Сида к сочинению запоминающихся мелодий - в таких вещах как "Octopus", "Love You", "Here I Go". В "Terrapin" и "Late Night" звучит его фирменная слайд-гитара, а в "No Good Trying" и "No Man's Land" проявилась тяга к диссонансным партиям и искаженному гитарному звуку - эти вещи благодаря специфическому ритмическому рисунку ударных очень напоминают ту музыку, которая через 20 лет завоюет мир под названием "грандж". В общем, Сид продолжает ту линию, которая всего несколько лет назад принесла известность ему и его группе. Но, к сожалению, его неустойчивое психическое состояние плохо повлияло на альбом, и некоторые песни получились бессистемным и скучным пением под гитару, а кое-где на альбом попали даже студийные разговоры и фальш-старты - Барретт просто-напросто захотел оставить эти записи как есть.

В целом, конечно, альбом производит грустное впечатление - и думаю, это не только мои чувства. Понимание того, что почти что замечательны музыкант уже очень скоро уйдет в полное небытие, и не вернется до самой своей смерти, не очень радует. Но хорошо, что у многочисленных людей, продюсировавших и записывавших этот альбом, хватило терпения довести его до конца, и эта запись осталась на пленке, запечатлев последние "сияния Безумного Бриллианта".

Kiskenbassker   7 сен 2014

Наверно, ни для кого не секрет, что львиная доля успеха Unisonic - это два имени, стоящие рядом - Кай Хансен и Михаэль Киске. Проект, основанный в 2009 году экс-вокалистом Helloween и участниками бывшей группы нынешнего вокалиста того же Helloween, мог долго прозябать в малоизвестности, если бы к нему не присоединился Кай - и тут же Unisonic стал для многих "возвращением духа старого Helloween". Именно это определило успех концертов (на которых группа, помимо нового материала, естественно, играла песни "золотого" периода Helloween) и довольно скучного дебютного альбома. В многочисленных интервью и Кай, и Киске часто говорили, как они счастливы снова играть вместе, но когда я читал это, меня не покидало чувство, что Кай однажды захочет покинуть группу, чтобы уделять больше внимание своей Gamma Ray - и весь успех Unisonic лопнет, как мыльный пузырь.

Второй альбом Unisonic я ожидал с интересом, однако заранее был уверен, что он не будет намного лучше первого. Тем более что в этот раз Кай Хансен вообще не принимал участия в написании песен, и за исключением двух треков от Киске, интро от клавишника Гюнтера Верно и буквально пары мест, где соавтором выступил гитарист Менди Мейер, весь материал был написан Деннисом Уордом. Но... я ошибался. Альбом сразил меня наповал.

Unisonic по-прежнему играют смесь мелодичного хард-рок/хэви-металла с элементами пауэра. Отсутствие участия Хансена в написании песен привело к тому, что на этом альбоме нет прямолинейных скоростных номеров (какими были на первом, например, хансеновские "Unisonic" и "Never Too Late"). В песнях довольно активно используются клавишные. Но музыка от этого не стала легче! Наоборот, альбом получился пожестче первого.

Такие номера, как "Your Time Has Come", "For the Kingdom" или "Find Shelter" - это пауэр-металл, который, думаю, не стыдно было бы записать Helloween или Gamma Ray. А песни, которые ближе к хард-н-хэви - "Not Gonna Take Anymore", "Throne of the Dawn" - обладают настолько запоминающимися мелодиями, что их хочется слушать еще и еще. При этом они лишены слащавости в духе хард-рока 80-х, которой было очень много на первом альбоме и которая лично меня от него отталкивала. Отдельно надо выделить 'Exceptional' - это 100% хит, мгновенно цепляющий, но поражающий своим "танцевальным" ритмом - если бы не типично металлические гитары, я бы уже подумал, что Деннис Уорд ударился в "нью-вейв". Баллада "You and I" - это также безусловное достижение. Мне кажется, этой песне не подходит металлизированная аранжировка, в которой она звучит на альбоме, ее очень хорошо было бы сделать акустической, как на сольных альбомах Киске... Хотя красивая мелодия всегда остается таковой, вне зависимости от аранжировки.

Что касается песен Михаэля Киске, то на этот раз все они были написаны в соавторстве с гитаристом его последних сольников - Сандро Гиампиетро. Среди них - еще одна баллада, "Blood", которая, если честно, получилась так себе, и для меня пока несет сомнительный титул "Худший трек альбома". Но больше всего поразило то, что бодрую "Manhunter", а также супер-цепляющую и такую же быструю "Dare" (по непонятной причине вошедшую только в японскую версию альбома как бонус) тоже написали Михаэль и Сандро! Киске года с 1996 не сочинял металл - что же с ним случилось? Возможно, повлиял проект Сандро Starchild? В любом случае, эти песни - еще одна удача альбома.

Резюмируя все вышесказанное, я могу сказать, что лично для меня анализ музыки на этом альбоме - дело десятое. Его просто хочется слушать, и не один раз. По-моему, действительно сильная музыка вначале тебя цепляет, а потом уже ты начинаешь думать, в каком стиле она сыграна, сколько тут гитар, барабанов и т.п. И (еще раз "по-моему") на "Light of Dawn" содержится именно такая музыка. Если Уорд, Киске и компания и дальше смогут писать материал подобного уровня, то им не надо будет играть на концертах старые песни Helloween, и они не пропадут, если Хансен решит уйти, потому что музыка Unisonic сама по себе станет качественной. И это имя будет вписано золотыми буквами в книгу мирового металла. Да будет так. Аминь.

Kiskenbassker  23 авг 2014

Meliah Rage — название даже в кругах поклонников металла не самое известное. Видимо, дело в том, что группа образовалась уже на исходе 80-х — «эры металла» — и возможность выпускать свою музыку потеряла очень быстро из-за спада интереса лейблов к жанру.

Пережив несколько распадов, к 2004 году этот квинтет из Бостона, США, начал более-менее стабильное существование и выпустил новый альбом, первый с 1996 года и четвертый за 17 лет, прошедшие со дня его основания. И этот камбэк-альбом оказался одним из лучших, если не самым лучшим, в дискографии Meliah Rage.

Группа играет музыку на стыке классического хэви-металл и трэша — то, что в 80-х годах называлось «американский пауэр-метал». Но мышление у музыкантов явно очень широкое — они не зацикливаются на каком-то одном поджанре. Трэшевые боевики "Invincible" и завершающая альбом "Motor Psycho" просто сбивают с ног своей прямотой, в то время как в "Barely Human", "Ungodly" или "Bloodbath" жесткие риффы сочетаются с запоминающимися мелодиями. Гитаристы могут запросто разбавить композицию чистой и мелодичной вставкой (как в начале "Invincible"), а в "Hell Song" мы слышим даже что-то вроде баллады. В общем, это металл в своем лучшем виде — жесткий, но достаточно мелодичный, не примитивный, но и не усложненный, в меру разнообразный, но в то же время остающийся МЕТАЛЛОМ. Не знаю кому как, а мне кажется, что именно таким он и должен быть.

Ближайшая аналогия, которая мне приходит на ум при прослушивании Meliah Rage — это их соотечественники с Западного побережья США — Metal Church. Аналогия эта лишь условная — потому что в лучших альбомах Metal Church мы тоже слышим сочетание самых разных тяжелых жанров. Но в отличие от Дэвида Уэйна или Майка Хоу, фирменной фишкой которых было пение фальцетом, вокалист Meliah Rage Пол Суза (нет, это не родственник Стива "Зетро" Сузы) поет чистым вокалом, довольно низко и с хрипотцой, но, когда это нужно, очень мелодично. Такой вокал — еще одна оригинальная составляющая их музыки.

Стоит сказать, что стиль альбома "Barely Human" — это не что-то новое для группы. Примерно в том же духе были сделаны и три ее предыдущих работы. Но только в 2004 году они сумели сделать бОльшую часть альбома настолько яркой и хуковой. Лично меня равнодушными оставляют только два трека — это 8-минутный инструментал 'Rigid' и довольно невнятная (слава Богу, что короткая) баллада 'Hell Song'. Все остальное сделано на очень высоком уровне.

Как-то раз Удо Диркшнайдер, комментируя новый диск своих бывших коллег из Accept 'Blood of the Nations', сказал что-то вроде: «Если бы у меня было 15 лет на подготовку материала, я бы тоже сделал такой же отличный альбом». Не знаю, связано ли то, что Meliah Rage выпустили в 2004 году этот замечательный альбом, с тем, что они его готовили 8 лет. Хочется верить, что нет. В любом случае, "Barely Human" заслуживает очень высокой оценки и рекомендуется к прослушиванию всем.

Kiskenbassker  25 июл 2014

Второй альбом американских думстеров Saint Vitus получился, наверно, самым «недумовым» в их дискографии. Где-то я читал, что на этом альбоме на их музыку повлияли хардкоровые команды, с которыми Saint Vitus были подписаны вместе на лейбле группы Black Flag — S.S.T. Не знаю, правда это или нет, но процент среднетемповых и быстрых вещей здесь больше, чем на любом другом альбоме "Святого Витта".

Звук у группы, в общем, остался таким же, как и на дебютном альбоме — грязная, низкая гитара, «квакающие» соло, необычный вокал Скотта Риджерса. Но риффы в половине вещей думовыми не назовешь. Открывающий альбом отличный хит "War Is Our Destiny", быстрая "White Stallions" и среднетемповая "The Sadist"— это скорее хард-рок, выполненный в фирменном звучании «Витта», а заглавная "Hallow's Victim" вообще напоминает что-то среднее между трэшем и хардкором. Фирменный дум есть в таких вещах, как "Mystic Lady" и "Prayer For the (M)asses", но и тут тягучие риффы соседствуют с энергичными кусками, и в целом эти вещи звучат довольно бодро.

Как по мне, такое изменение стиля отразилось на группе позитивно. Во-первых, "War Is Our Destiny" и "White Stallions" получились очень запоминающимися, и я их считаю одними из лучших композиций в творчестве «Святого Витта», да и остальные треки очень хорошие, и откровенного проходняка среди них нет. И во-вторых, что ни говори, а вокал Риджерса с его шепелявостью звучит немного комично, и не очень подходит к созданию характерной для дума трагической атмосферы. А вот в таких энергичных, быстрых или среднетемповых вещах, он звучит хорошо. В общем, это один из моих любимых альбомов Saint Vitus, и уж точно самый любимый из записанных первым составом группы.

Kiskenbassker   4 июн 2014

Не то беда, Авдей Флюгарин,
Что родом ты не русский барин,
Что на Парнасе ты цыган,
Что в свете ты Видок Фиглярин:
Беда, что скучен твой роман.

А.С.Пушкин, Эпиграмма, 1830

Я никогда особо не любил этот альбом Anthrax. Но была одна причина, заставлявшая переслушивать его снова и снова: то, что я просто обожаю их первую пластинку с Джоном Бушем — 'Sound of White Noise'. Я просто не мог поверить: неужели после настолько яркой и сильной работы они могли записать альбом, в котором почти ничего не цепляет? Может, это я плохо слушал 'Stomp 442' и что-то в нем пропустил?

В 1995 году 'Stomp 442' стал для Anthrax началом конца. Плохие результаты продаж, неудачное турне, уход с большого лейбла и сильное снижение популярности — из кризиса, начавшегося тогда, они худо-бедно смогли выбраться, только воссоединившись со старым вокалистом. В провале альбома группа обвиняла лейбл, не обеспечивший достаточной рекламы для него, сетовала также на неприятие поклонниками смены Джоя Белладонны на Джона Буша и ухода Дэна Спитца. Все это имело место, и, конечно же, сыграло свою роль. Но, слушая и переслушивая альбом, я в конечном итоге пришел к выводу, что основная причина, как это ни банально — качество музыкального материала.

Да, группа сменила стиль — полностью ушла от трэша, и начала вместо него играть смесь из альтернативного металла 90-х и классического хэви, с пониженным строем гитар. Уже в самой первой песне, — отличном, кстати, номере — 'Random Acts Of Senseless Violence', — под аккомпанемент синкопированных риффов Джон Буш начинает "выдавать" речитатив. Но ведь это совсем не плохо — в конце концов, именно Anthrax еще в конце 80-х начали экспериментировать с рэпом и внесли огромную лепту в появление всего этого альтернативного металла. Да, музыка стала проще — с уходом Спитца исчезли длинные гитарные соло (в песне "Fueled" соло нет вообще, в "Nothing" есть какое-то его подобие), стало меньше смен темпа, упор начал делаться на риффы — но это тоже неплохо, в конечном итоге все гениальное просто. И поет Джон Буш очень даже хорошо, мне его вокал всегда нравился больше, чем пение Джоя Белладонны.

Проблема альбома в другом — в том, что англоязычные рецензенты называют songwriting. Он просто-напросто не запоминается. По сути, здесь есть четыре по-настоящему ярких, хуковых номера — это поставленные в самое начало "Random Acts", "Fueled" и "King Size", и еще "Nothing". Выделяется еще трек "Bare" — потому, что это баллада, которые у Anthrax можно пересчитать по пальцам одной руки. Все остальное — проходняк или недоделка. В "Riding Shotgun" и "Perpetual Motion" прекрасный риффинг, но мелодии неинтересные и не запоминаются — поэтому и сами композиции получились серыми. "In A Zone" начинается мощно и угрожающе, но дурацкий припев с постоянным повторением строчки "I'm in a zone, I'm in a zone' портит ее, точно такой же получилась "Drop The Ball" — начали за здравие (первые два куплета), закончили за упокой. А "American Pompeii" мне пришлось слушать раз 5, чтобы хотя бы запомнить что-то из нее.

Самое печальное — для того, чтобы сделать расписанные выше выводы, мне пришлось очень и очень внимательно вслушиваться в музыку. Расположение треков в альбоме таково, что самые яркие, как я сказал, находятся в начале, потом идут все хуже и хуже, а начиная с "In A Zone" одна за другой поставлены несколько среднетемповых вещей, и это еще сильнее снижает динамику альбома. В итоге получаем музыку, совершенно неспособную привлечь внимание, в которой даже разобраться трудно, не концентрируясь на ней.

Думаю, тысячи старых поклонников Anthrax особо и не захотели этого делать. Просто забросили этот диск подальше и ушли слушать какой-нибудь 'Among the Living', а те, кто хотел музыки посовременнее — 'Far Beyond Driven' с тем же Даймбэгом. Этот же альбом провалился — увы, вполне заслуженно.

Kiskenbassker   8 май 2014

Где-то в архивах одной из радиостанций города Вичито, штат Канзас, США, долгое время пылилась на полках эта запись. В конце 1979 года местные рок-самородки Manilla Road выступили на волнах этой радиостанции со своей программой, первая часть которой включала в себя их только что записанный альбом "Invasion", а вторая - несколько песен, которые не вошли ни в "Invasion", ни в какой-то другой альбом группы. Большая часть поклонников группы никогда не слышала этих песен... до тех пор, пока в 2009 году концертный альбом "After Midnight Live" не увидел свет.

Было бы преувеличением сказать, что эта запись откроет кому-то Америку, покажет какую-то новую грань творчества Manilla Road, о которой мы раньше не подозревали. По музыке этот материал недалеко ушел от пластинки "Invasion" — точнее, он даже к нему еще не пришел). Та же самая смесь грубоватого хард-рока и «космической» психоделики — только здесь хард-рока побольше, а композиции с «космическими» фишками — "Life's So Hard" или "Dream of Peace" — и рядом не стояли с "The Empire" с первого альбома. Тексты песен также еще не доросли до фантастической тематики, разве что лирика "Dream of Peace" показывает нам, чем впоследствии прославится Манилла.

Мне кажется, что этот материал был написан даже раньше, чем тот, что вошел в "Invasion", и отражает эволюцию группы 1977-1979 годов — того периода, когда еще даже не началась ее официальная дискография. Музыканты уже тогда играли довольно неплохо, и чувствуется, что их музыка, особенно в этот период, выросла из многочисленных джемов. Но яркости и запоминаемости в ней еще не хватает.

Kiskenbassker  25 апр 2014

Первый альбом Manilla Road как лидер коллектива Марк Шелтон, так и большинство музыкальных критиков оценивают не очень высоко - что-то вроде скромного начала выдающейся группы. Но по-моему, этот диск - лучшее из того, что команда записала до 1983 года, а материала в тот период было записано немало.

Я согласен с предыдущим рецензентом, что звук на альбоме не самый лучший, довольно грубый и плоский - но есть у Маниллы работы и с худшим звуком, а эта запись, судя по интервью Шелтона, была сделана почти без наложений, вживую в студии. Стиль альбома - психоделический хард-рок, созданный под влиянием, с одной стороны, хардовых коллективов 70-х, а с другой - конечно же Hawkwind, одной из любимых групп Шелтона. Это влияние проявилось в длинных "космических" гитарных соло, в звуковых эффектах, большинство из которых сделано довольно просто, с помощью звуков, издаваемых инструментами музыкантов и несложной обработки, в продолжительных композициях и импровизациях.

Конечно, все это еще далеко от той музыки, благодаря которой Manilla Road обретут культовый статус - но если забыть об этом и сконцентрироваться на самих композициях, то они оказываются на удивление цельными и интересными. "Cat and Mouse" и "Far Side of the Sun" - длинные, медленно развивающиеся, но не надоедающие эпики, то жесткие, то наполненные психоделическими эффектами; второй из них вообще можно назвать одним из концертных хитов Маниллы, он сохранялся в их репертуаре и 10 лет спустя. "Centurian War Games" - очень красивая акустическая баллада, уникальная тем, что в 80-х Шелтон больше не сочинял подобных песен, нечто похожее появилось только на последних альбомах группы. Ну а "The Empire" - это настоящая жемчужина альбома, 13-минутный психоделический эпик, напоминающий раннюю "пристовскую" вещь "Run of the Mill", уносит в выдуманный музыкантами мир, и только агрессивные вставки возвращают иногда на землю...

Единственный номер здесь, который мне реально не нравится - это первая песня "The Dream Goes On". Все остальное интересно, хотя может и не так, как следующие работы. Я думаю, Invasion - это пример того, как может звучать коллектив неопытный и без больших денег на запись, но очень талантливый и трудолюбивый. Если вспомнить, альбом был записан на деньги самих музыкантов, выпущен и распространялся собственными силами. В эту музыку они вложили душу. Думаю, их усилия не были напрасны.

Kiskenbassker  21 апр 2014

Трио из американской глубинки, несколько лет метавшееся между "космической" психоделикой и прямолинейным хард-роком, наконец-то нащупало стиль, который стал их фирменной фишкой. Тем не менее, этот альбом не стал вехой истории Manilla Road, и долгое время вообще не переиздавался. Причина, видимо, в том, что свой стиль группа только нащупала, но далеко еще не показала во всей красе.

Здесь уже присутствуют некоторые фирменные "фишки" "Маниллы", благодаря которым она очень скоро обретет культовый статус среди части металлистов Европы и Америки. Это манера пения Марка Шелтона, который здесь уже вовсю использует высокий, мелодичный вокал, тут же сменяющийся угрожающими хрипами. Это длинные эпики, типа заглавной "Metal" и "Cage of Mirrors", где куски с чистой гитарой и красивыми мелодиями сменяются жесткими риффами. В них уже проявились неповторимые, ни на кого не похожие вокальные мелодии Шелтона, которые тоже являются "фишкой" Manilla Road. Уже есть лирика по мотивам произведений Роберта Говарда - очень скоро в этот ряд добавятся Лавкрафт, По, Баркер...

Короче говоря, "эпик-металл" зародился именно здесь. Но все же большая часть альбома - это еще не классическая Manilla Road, а довольно неинтересный хард-рок (совсем не Metal), сильно отдающий 70-ми годами. В нем уже нет "космических" элементов, как на дебютном альбоме "Invasion", но слишком мало чего-то оригинального, что могло бы прийти на замену. Только упомянутые уже "Metal" и "Cage of Mirrors" имеют эту самую оригинальность, из остальных же номеров я бы выделил разве что открывашку "Enter The Warrior", которая цепляет своим необычным ритмом и, в общем-то, удачной вокальной мелодикой. Все остальное, включая и новую версию "Far Side Of The Sun" (может это я один такой, но мне версия с Invasion нравится ГОРАЗДО больше), даже по меркам традиционного хард-рока не слишком цепляет.

Начинать знакомство с "Маниллой" с этого альбома я категорически не советую - даже Invasion для этого подойдет намного лучше, но с точки зрения изучения того, как развивалась музыка группы со временем он, пожалуй, может заинтересовать.

Kiskenbassker  21 апр 2014

Последний в дискографии "Шаха" студийный альбом с новым материалом показал изменения в музыке группы. Антону Гарсия надоел обычный трэш, и он начал экспериментировать с новомодными тяжелыми стилями, вдохновляясь группами типа Corrosion of Conformity и Soundgarden.

В результате получилась непростая для восприятия, навороченная музыка — смесь из синкопированных риффов и "кривых" ритмов альтернативного металла, "прогрессивных" чистых гитар и классического трэша/хэви. Эти элементы частенько сменяют друг друга внутри одной композиции — поэтому чтобы въехать в музыку, необходимо переслушать альбом как минимум несколько раз. И тогда понимаешь, что альбом у Антона Гарсии и его компании получился очень даже интересный.

Несмотря на свою сложность, музыка эта не лишена запоминающихся мелодий — к примеру, в "P.S.I.H.O." и "Rhythm Of Instincts", "Terminal Point" и "Through Inside". Вокал Антона тут, по-моему, звучит лучше, чем на любом другом альбоме "Шаха" — то высокий, стонущий, то хрипловатый, довольно эмоциональный и очень неплохо выводящий мелодии. Профессионализм музыкантов тоже достоин уважения — как писал один из тогдашних рецензентов, этот альбом можно было бы легко перепутать с пластинкой западной группы, если бы не обложка с рисунком, который часто встречался в то время на футболках из киосков.

Тем не менее, у этого творения есть и минусы, к которым я бы отнес лишнюю затянутость некоторых композиций (в первую очередь все тех же "Terminal Point" и "Through Inside", которые начинаются за здравие, а заканчиваются за упокой) и некоторое однообразие материала. Впрочем, синьор Гарсия, как следует из его интервью, в первую очередь музыкант, и музыку он делал и делает в основном ту, которая интересна ему, а не слушателям. Поэтому, наверно, чтобы оценить в полной мере это произведение, надо самому быть музыкантом. Я же с позиции слушателя ставлю ему 7 баллов.

Kiskenbassker  16 апр 2014

Если верить английской Википедии, то арт-рок и прогрессивный рок - это не совсем одно и то же. Прогрессивный рок фокусируется больше на симфонизме и мелодии, а арт-рок отличается авангардизмом, экспериментальностью и вообще является довольно эклектичным жанром. С такой точки зрения, музыка Curved Air на альбоме "Phantasmagoria" на 100% подходит под определение "арт-рок". Под легкой и симпатичной обложкой этого альбома скрываются 38 минут разнообразной музыки, полной смелых экспериментов.

Впечатляет уже то количество музыкальных инструментов, которое группа на нем использовала. Кроме того, что основные авторы материала - Дэррил Уэй и Фрэнсис Монкман - владели каждый несколькими инструментами - в записи приняло участие еще огромное количество сессионных музыкантов. Чего тут только не услышишь в аранжировках - пианино, клавесин и меллотрон, флейту и духовую секцию, скрипку и синтезатор, ксилофон, колокола, еще какую-то перкуссию... Это не считая традиционных для рока барабанов, баса и гитары - акустической и электрической. Понятно, что при таком обилии способов создавать звук в их музыке гитара не играет большой роли, в некоторых композициях ее вообще нет, в некоторых она вступает с небольшими проигрышами, сменяя другие инструменты.

Несмотря на аранжировочные эксперименты, группа сочиняла довольно доступную музыку. В отличие от многих других британских симфо/прог/арт-роковых коллективов, у них преобладают короткие и вкусные номера, такие как заглавный трек, "Once A Ghost Always A Ghost" с латиноамериканскими ритмами и огромным количеством перкуссии, и одна из самых красивых вещей Curved Air - психоделическая баллада "Melinda (More Or Less)". В то же время на альбоме есть очень хорошие эпики - "Marie Antoinette" и "Over And Above", в которой использовано больше всего инструментов. Еще есть инструментал "Cheetah", который в основном строится вокруг скрипки Дэррила Уэя, и новаторские, совершенно ни на что не похожие электронные обработки живых звуков "Ultra-Vivaldi" и "Whose Shoulder"... С точки зрения мелодики эти два трека, наверно, наименее цепляющие, но они опередили свое время, предвестив эру электронной музыки.

Эта музыка - настолько же легкая и симпатичная, как обложка, под которой она выпущена. Может быть, она такая потому, что так много разных инструментов и нет упора на электрогитары, может, из-за простых и удачных мелодий, а может, из-за женского вокала. Конечно, Соню Кристину, девушку-хиппи, которой не были чужды вредные привычки, нельзя назвать очень хорошей вокалисткой, но на этом альбоме ее голос звучит очень приятно, и прекрасно подходит музыке. Curved Air так никогда и не стали такими популярными, как их коллеги по британской прог/симфо/арт-рок сцене, но тем не менее, то, что они делали, заслуживает внимания.

Kiskenbassker   5 апр 2014

Группа "Кредо" — это, по сути, группа "Магнит", которая по какой-то причине была вынуждена сменить название. Но все остальное - оформление обложки, логотип группы и ее музыка — очень похоже на пластинку Магнита "День гнева". Все тот же спид-хэви-металл с классическими влияниями. Все те же красивые клавишные партии. Качество звука по-прежнему хромает, звук гитар можно было бы сделать намного лучше.

Песни можно разделить на три категории: эпические номера со скоростными риффами и социальной лирикой, хард-н-хэви с текстами на любовную тематику и инструменталы по мотивам классической музыки, которых здесь два. Особняком стоит баллада "Одиночество" на стихи Райнера Марии Рильке. Эта пластинка более ровная, чем "День гнева", на ней нет откровенного проходняка, но нет и очень ярких номеров, таких как "Работай!" с предыдущего альбома. Самыми сильными вещами я бы назвал трагический эпик "Прости, если сможешь, Россия" и инструментал "В Стиле Гаэтано Пуньяни", где очень удачно по очереди солируют клавишные, гитара и бас. Все остальные вещи — неплохие, но чего-то им не хватает для того, чтобы называться по-настоящему хорошими. Какие-то из них портят нескладные и плохо связанные тексты, какие-то — чересчур пафосный вокал, какие-то — неудачный бэк-вокал, иногда не самые интересные мелодии, а иногда все это вместе.

Мое чувство, как от Магнита, так и от Кредо — что эта группа состояла из очень даже профессиональных музыкантов, которые хорошо играли, сочиняли хорошую музыку, но не смогли найти для себя правильный стиль. Если бы они играли инструментальный прогрессив, или даже неоклассический металл с упором на инструментальные вещи, то могли бы создать гораздо более интересные альбомы. Но в роли исполнителей социальных и лирических песен они выглядят не особо убедительно и очень уступают многим другим "нашим" металлическим коллективам конца 80-х.

Kiskenbassker  31 мар 2014

Несмотря на работу в филармонии и выход пластинки на фирме "Мелодия", группа "Магнит" в конце 80-х и близко не имела того успеха, который был у "Арии", "Мастера" или "Августа". Но музыку они играли довольно интересную. Этот альбом представляет собой их единственную официально изданную пластинку. По музыке это спид/хэви метал, но с сильным влиянием классики. В песнях очень много партий клавишных инструментов, они создают красивый фон, даже солируют вместе с гитарой, Часто меняется темп, музыканты время от времени цитируют классические темы, они даже включили отдельным треком гитарное соло на тему итальянского композитора Бенедетто Марчелло.

В то время в Союзе такую музыку практически никто не играл, поэтому пластинка "Магнита" выделяется из ряда металлических альбомов конца 80-х. Чего группе реально не хватало — так это по-настоящему ярких и запоминающихся песен. Их на пластинке всего две — это первая "Работай!" и последняя "Храни огонь", со скоростными риффами, замечательными клавишными партиями (особенно в начале и середине "Храни огонь") и цепляющими мелодиями. Еще более-менее удачной получилась антисталинская "Мы живём, под собою, не чуя страны" на стихи расстрелянного поэта Осипа Мандельштама, инструментал на тему Марчелло тоже интересный. Остальные номера — это типичный проходняк, который музыканты, несмотря на весь свое мастерство исполнителей, не смогли довести до уровня "выше среднего". Удручает также звук гитар — заметно, что у музыкантов была плохая аппаратура, и особенно плохо это сказалось на звучании соло.

Наверно, в Союзе конца 80-х купить нормальный аппарат было непросто, поэтому за звук я снижать оценку не стану. Но, в любом случае, свой материал группа не доработала, и выше 6 я за него поставить не могу.

Kiskenbassker  26 мар 2014

У себя на родине, в Южной Корее, группа Baekdoosan давно считается классиками местной рок-сцены. Западному миру она не особо известна... но что мы вообще знаем о корейской музыке, кроме песенки "Gangnam Style"?

Этот альбом, записанный аж в 1986 году, был, по всей видимости, одной из первых металлических работ в Корее. И работа, надо сказать, получилась очень достойная. Классический хэви-металл, часто встречаются скоростные риффы, сыграно драйвово и энергично. Поет группа на родном корейском языке, вокальные мелодии звучат своеобразно, но все равно цепляют. Лично для меня это важный момент, потому что большинство корейской музыки, которую я слышал, отличается (как по мне) незапоминающимися мелодиями. Думаю, как минимум 2-3 номера из этой пластинки могли быть хитами в Корее 80-х годов. А некоторые, в лучших традициях металла, сделаны с упором на инструментальные партии. Особенно удачным получился предпоследний трек, где длинные соло гитары и ударных чередуются со спид-металлическими частями.

Недоумение вызывают только первая и последняя песни: первая будто бы была записана в другом месте и в другое время, и по музыке едва тянет на хард-рок, а последняя вообще не является роком, она больше похожа на корейскую патриотическую песню с женским вокалом, и совершенно выбивается из общей концепции альбома, будто бы это сыграли совсем другие музыканты. Зачем они решили включить в альбом такие песни - мне непонятно. Но я же с Запада - что я вообще знаю о корейской культуре и корейской музыке?..

Kiskenbassker  22 мар 2014

Воспринимать "Коррозию Металла" всерьез — это глупо, но в их музыке всегда была какая-то детская непосредственность, которая меня заставляла одновременно и смеяться, и восхищаться. Они могли запихнуть на свои "трэшево-угарные" альбомы что угодно — от танцевального рок-н-ролла до красивых акустических инструменталов, а в текстах могли то явить нам как полнейший бред, так и почти трагическое произведение — и всегда это было очень неожиданно и оригинально.

Альбом "Языческие боги" — как раз шедевр такой непосредственности. Когда в 2002 году он только вышел, я был рад уже тому, что после невнятного электронного звучания пауковского "Антихриста" и сингла "Он не любил учителей" группа вернулась к живым жестким гитарам. Хотя звук прописан не очень, да и музыка по сути представляет собой смесь из трэша, хэви и хардкор-панка с уклоном в сторону последнего, какая разница? Это же "Коррозия"! Как уже замечал один из рецензентов, это "музыка, под которую надо дико рубиться в угаре", и стиль ее значения не имеет.

Боевики с нацистской тематикой воспринимаются как энергичные вещи, в которых текст совсем не важен, а простенькие песенки с вокалом Паука цепляют его нестандартным мышлением. "Бог — телевизор, молятся прокладки, хороший товар — золотой Иисус. Бивис и Баттхед ограбили церковь, продали и купили злую проститутку" — вроде и глуповато, а с другой стороны интересно, нестандартно. У такой музыки есть только один серьезный недостаток: она не заходит глубоко в душу. У какой-то другой группы и с другими текстами песни вроде "Бей чертей - спасай Россию!", "Адский дровосек" или "Языческие боги" могли бы быть сильными, серьезными вещами. Но музыка "Коррозии" — это желание привлечь к себе внимание или просто "угореть" и повеселиться. Чувства от альбома соответствующие: оригинально, интересно, непосредственно... первые три прослушивания. Потом он надоедает, и забрасываешь его подальше... чтобы через полгода еще пару раз переслушать, вдохновиться и снова забросить.

Kiskenbassker  20 мар 2014

Последний студийный альбом в дискографии группы Диалог, Когда и каким составом он был записан — мне установить не удалось. Но чувство такое, что эти песни были записаны в разное время и в разных местах, потому что их стиль сильно отличается.

Несколько номеров с вокалом Кима Брейтбурга — "Сладкое время свободы", "Свой парень" и "Дезертир" — были записаны в конце 80-х, и по стилю ближе к хард-року, который группа играла на альбоме "Диалог-3". На остальных треках поет Валерий Меладзе. Из них "Осенний крик ястреба" и "Фантом" — это настоящий прогрессивный рок, остальные — либо красивые баллады, самая лучшая из которых — "Музыкальная шкатулка", либо песни с танцевальными ритмами и обилием электронных звуков. Лучшей из них я считаю "Зачем мне это теперь".

В целом, учитывая то, что большую часть материала для этого альбома написал Константин Меладзе, можно сказать, что здесь начало проявляться движение братьев к коммерческой музыке, в которой они скоро станут очень популярными. Что делать — прогрессивный рок в 90-е годы не пользовался популярностью на пост-советском пространстве, да и группа Диалог постарела, устала и не хотела больше играть. Вскоре она распалась, и реюниона делать не собирается до сих пор. Остается только слушать старые записи и ностальгировать по прошедшим дням.

Kiskenbassker  18 мар 2014

Я очень люблю творчество группы Metal Church, особенно конца 80-х - начала 90-х, когда в ней пел Майк Хоу, но, если честно, давно считал, что им стоило разойтись еще в начала 2000-х, когда ушли почти все участники старого состава. Потому что альбомы, записанные в новом составе с Ронни Монро на вокале, мягко говоря, не дотягивают до уровня классических работ.

Новость о реюнионе группы в 2012 году я воспринял очень отрицательно, и к записи нового альбома тоже отнесся скептически. Но, услышав альбом, должен признать, что он лучше, чем я ожидал. Это явно лучшая работа с Ронни. Курт Вандерхуф, который последние 10 лет интересовался в основном хард-роком, решил реанимировать старое звучание Metal Church. Риффы и ритмы стали энергичней, иногда даже пробивается настоящий спид-трэш, как в "Bullet Proof" или "Scream". Ронни стал чаще использовать скрим и фальцет, в духе Дэвида Уэйна или Майка Хоу. Группа создала несколько сильных, по-настоящему классических песен - таких, как уже упомянутые "Bullet Proof" и "Scream", а также "Dead City" и "Jump the Gun" с запоминающимся припевом. К удачным номерам можно отнести, наверно, еще и заглавную "Generation Nothing".

К сожалению, сделать весь материал "на уровне" у Вандерхуфа не получилось. Примерно половина альбома отсылает нас все к той же стилистике группы 2000-х годов - хард-н-хэви, может быть, с чуть более драйвовой манерой исполнения, чем на предыдущих работах, но не ставшему от этого менее скучным. Лучший из этих номеров - это "Close to the Bone", а вот эпик "Noises in the Wall" и еще несколько вещей просто навевают тоску.

Очень хочется верить, что дальше Курт и компания выпустят еще более сильную работу... но все мое рациональное начало говорит, что лучшие годы Metal Church уже позади, и этот альбом - максимальное, на что они сейчас способны. Что же, большое спасибо за те усилия, которые были приложены к его созданию.

Kiskenbassker  16 мар 2014

"Підземне Зоо", "Подземный зоопарк", "Underground Zoo"... Слово "андеграунд" как нельзя лучше подходит к этому альбому. Позади остались акустические пассажи и спокойные блюзы предыдущих двух альбомов "Мертвого півня". Здесь же мы имеем настоящий инди-рок. Гранджевые ритмы, периодически меняющиеся темпы, искаженная соло-гитара. Закрученные партии баса с частым использованием слэпа (басист "Півня" — Олег "Джон" Сук — один из лучших во Львове и в Украине вообще). При этом вторая гитара вообще акустическая (!), а иногда звучит еще и дудочка, и это придает песням дух прогрессива или психоделики.

Большая часть текстов — это стихи поэта Юрия Андруховича. Но стихи явно отбирались не по принципу "что легче поётся". Некоторые из них вообще тяжело спеть — поэтому вокалист их скорее читает под музыку, чем поёт. Сами же стихи сложны — не потому, что они на украинском, а потому, что это поэзия, над которой надо думать. Некоторые оставляют впечатление полнейшей фантасмагории — такие как "Цирк «Ваґабундо»" или "Індія".

Альбом слушается непросто. Здесь нет хитов, которые зацепят с первого раза — скорее с первого раза захочется его выключить уже на второй-третьей песне. Если же хватит сил переслушать несколько раз, вникнуть, прочитать тексты (лично я на слух воспринял процентов 50, не больше) и подумать над ними — тогда возникает чувство, что перед тобой как минимум очень оригинальная и интересная работа.

И тут, оказывается, есть лирические номера, которые на общем фоне сначала не замечаются. И запоминающиеся мелодии тоже есть. А в сочетании с интересными текстами песни получились очень сильные. Особенно я бы выделил заглавный трек, "Міґранта" и "Країну дітей", а также раздолбайство на тему советских детских стихов "Тато" и завершающий альбом мягкий "Блюз" на стихи Джека Керуака.

Постепенно я начал радоваться тому, что украинская группа в 1994 году смогла дать миру такой альбом. Хотя на нем есть неинтересные вещи, их меньшинство. Андеграунд идет в авангарде, выдавая хорошую музыку.

Kiskenbassker  14 мар 2014