Первый полноформатный альбом «Опричи» стал настоящим долгостроем отечественной folk metal сцены, вот только ожидаемым или нет – вопрос сложный. С одной стороны, песни коллектива, представленные в свое время на сплитах с «Чур» и «Крода» особого желания продолжать знакомство не вызывали, с другой стороны, участники группы зарекомендовали себя в сторонних проектах и на сцене самым лучшим образом. Да и тема Севера с его вольницей и характерным менталитетом, выкованным суровыми условиями и вечной борьбой, представляет в наше время, насыщенное историческими и социальными профанациями, неподдельный интерес, особенно когда доносят ее до нас непосредственно «носители идеи».

Удача или нет? До самого конца диска при первом прослушивании я не мог склонить чащу весов, стараясь быть беспристрастным слушателем. Для группы эти восемь (на обложке указано семь, еще одна песня идет бонусом) композиций, безусловно, большой шаг вперед. Ясно, что музыканты писали именно концептуальный альбом, объединенный одной темой, одним ритмом, одним звучанием. Ясно, что работа в студии была долгой и кропотливой. Стилистически «Север Вольный» представляет собой языческий метал, замешанный на жестких и энергичных, не очень быстрых, скорее, размеренных дэтовых риффах с орнаментом из пения сопелки, свирелей и прочих народных духовых инструментов, которые не лезут во все щели (как почему-то принято у многих исполнителей), а занимают свое определенное место, идеально вписываясь в звучание вместе с клавишными, ответственными за атмосферный фон. Также изредка проскальзывает энергетика «сибирского рока», особенно когда вокал Пана балансирует «на грани Летова». Музыка по северному жестка, сурова и, в то же время, лирична – вообще, отталкиваясь от устоявшихся образов, мы как-то забываем, что север это не только снег и промерзшая земля, это еще и буйство природы, первозданная красота и огромное пространство, политое кровью. Обо всем этом музыканты и повествуют, на несколько минут делая слушателей участниками кровопролитных битв, языческих ритуалов и простого быта своих предков. Соответственно, в наличии есть несколько мощных «боевиков» («Гнев», «Сечей раскали клинок») в которые для поддержки к чистому вокалу добавлен гроул, и которые были бы совсем хороши, если бы не резкие, порой необоснованные переходы на лирические отступления, из-за чего энергетика композиции стремительно рассеивается. Есть и просто красивые, эпические вещи «Предки», «Купала», откуда можно почерпнуть много интересной информации, да и людям, грезящим пробуждением «национального самосознания», тоже будет интересно их послушать.

К сожалению, уже с середины альбома слух цепляется за некое однообразие материала – свирели (почему-то звучащие с каждым новым своим появлением все более неестественно) раз за разом вступают в один и тот же диалог с гитарами, а вокальные партии превращаются постепенно в назойливое повторение одной-единственной фразы, что, видимо, должно подчеркнуть значимость слов, но на деле порой (брутальное «Предки, предки наши» напоминает лишь старый анекдот про «Баден-Баден») звучит совсем несерьезно. Так что же склонило под конец альбома чащу весов в сторону «Удачи»? Пожалуй, композиция «Дорога», былинное сказание (все как положено, на природе и под гусли), пропитанная искренней любовью музыкантов к родному краю. Этой искренностью участники «Опричи» и подкупают слушателя, которому сразу хочется бросить все и махнуть за Волгу, чтобы почувствовать тот самый Вольный Дух Севера. В этот момент восприятие альбома меняется коренным образом и вслед за неизбежным повторным прослушиванием приходит мысль, что долгое ожидание этой работы было не напрасным.

Maeror3  31 авг 2011

Как ни странно, «Холодные тайны…» стал одним из немногих дисков за последние пару лет, о которых не хочется шутить на тему «еще один эмбиент-сайд-проект блэкушника, сыгранный одной левой на синтезаторе Casio со всеми вытекающими». Хотя, по сути, альбом действительно является плодом творчества человека, чье имя, Даркут, было вписано в историю нескольких локально или широко известных групп, игравших блэк у себя на Родине, в Белоруссии, и действительно относится к жанру "folk ambient со всеми вытекающими», вроде предсказуемых названий композиций, в которых гарантированно прописались Мать-Земля, Леса, Ветер и Луна, и совершенно неестественного завывания ветра в «Песни Северных Ветров», которое многие пытаются воссоздать при помощи программного обеспечения, но все время выходит только белый шум. Продолжительные композиции неторопливы, меланхоличны и задумчивы, ведущую роль здесь играет акустическая гитара, кристально чистые переборы которой подхватывают флейты и гусли (звучание этих инструментов выдает их электронное происхождение, что способно испортить впечатление особенно взыскательным слушателям) и дополняют звуки природы, такие, как журчание воды и бодрое пение птиц (что звучит довольно странно для выбранной зимней тематики альбома), скрип деревьев на ветру, шелест листвы и вороний грай. Что касается мелодий, то автор идет по проторенному и даже утоптанному до состояния бетона пути, – короткие и в целом удачные музыкальные темы, составляющие его композиции, идут по кругу, постоянно повторяясь без каких-либо изменений и развития (что несколько утомляет на пятнадцатиминутном отрезке пути под названием «Холодные Тайны Зимнего Леса»), лишь изредка полностью растворяясь в атмосферном бэкграунде, сыгранном на синтезаторе чуть более чем традиционными для жанра двумя-тремя соседствующими клавишами, что уже хорошо. Иногда эти темы инструменты разделяют между собой, и гитара вступает в дуэт с флейтой, в то время как гусли ткут узоры, напоминающие те неповторимые красоты, которые мороз выводит на стекле. И сразу возникает ощущение, будто сидишь себе ночью в заметенной снегом избушке, смотришь на дрожащее пламя свечи и слушаешь долгие, как зимняя ночь, песни, которые неторопливо поет то ли мать, то ли бабушка (не знаю, почему, но музыка Даркута лично у меня вызывает женские образы). Песни эти – не былины про ратные подвиги и кровавые бои (оставим их на весенний расцвет сил и летний задор), а древние сказы об окружающем мире, хранящим свои тайны под сводами лесов и в глубине быстрых рек, скованных льдом. И от этого тепла свечи, от архаичных напевов, пусть и обитающих только в разыгравшемся под действием музыки воображении, становится тепло и хорошо, ибо музыка, которую мы слышим на этом диске, безусловно, имеет свое особенное настроение, которое быстро передает слушателю. Можете считать «Холодные тайны» воззванием к родовой памяти, если вы верите в подобные вещи, – я же буду честен, и назову этот диск одной из весомых удач в рамках жанра. Простая, но вдохновляющая работа.

Maeror3   8 июл 2011

Первое, что приходит на ум, когда слышишь «Nežinau», прямо начиная с «Ounėm» - это малобюджетный вариант экспериментального неофолка, записанный за один присест в подвале какого-нибудь жилого дома на допотопном оборудовании, включающем электрогитару, бас, допотопную драм-машину и дешевый сэмплер. И тут же, прямо с «Ounėm», приходит понимание, что это не бюджет маленький – это такая идея «большая». Гаражный звук и нагромождение самых разных стилей (от «апокалиптического» фолка, нью-вейва и пост-панка до нойза и индастриала) способны очаровать сразу, если эти идеи вам близки.

Итак, музыка. Ее создатель (судя по всему, за всем этим стоит один человек, Повилас В.) берет грязно жужжащие гитары, запускает монотонный «голый» ритм, использует подручное железо, чтобы изредка громыхало, и мешает все это с зацикленными короткими сэмплами, обилие и непредсказуемость которых придает каждой песне индивидуальность, добавляя столь необходимые «фишки». С фантазией у литовского парня все в порядке, и в дело у него идет все, что вызывает интерес и чувство ностальгии – и винтажные электронные мелодии аля «ТВ-гимнастика» восьмидесятых («Kai Žydi Katės»), и нарубка из каких-то восточных мотивов («Demonai Ir Dovanos Antrukart») на фоне попискивающих саксофонов, и грозная маршевая поступь («Velniop»), и музыка из фильмов («Utopija»). Накачивая «Nežinau» «фишками», музыкант то замедляет музыку (если бы альбом выходил на кассете, можно было бы решить, что это просто пленку зажевало), то переворачивает все ее компоненты, кроме вокала, в обратную сторону, причем незамедлительно наслаивая эти потоки звуков друг на друга. А еще автор «Vilkduja», запертый в подвале и накручивающий ручки оборудования, старательно аккумулирует злость, давая ей вырваться ближе к концу диска – если в начале он находил время на фольклорные плясовые вещи вроде «Dauguma», то финал близок к границам death-industrial, когда говорящими становятся не только названия треков («Velniop [To Hell!]»), но и их нарочито грязное, зашумленное звучание, беспросветное и злое, помноженное на мерный стук ритуальной перкуссии. Зол и вокал – дисторшированный голос силен, уверен и громок (хотя товарищ не стесняется повыть по-кошачьи в «Utopija») и не дает повода подозревать его обладателя в склонности к миролюбию и компромиссам. Очистить «Nežinau» от напускной дешевизны и нарочитой, а на самом деле любовно выпестованной «грязи», добавить подольше «акустики» - и получится образцовый dark folk. Оставить все как есть – получится необычный и интересный диск, слегка ироничный и неожиданный, с каждым новым треком преподносящий сюрпризы. Индустриальный фолк или подвальное кабаре – выбирайте термин сами или просто придумайте новый.

Maeror3  26 май 2011

Совершив неожиданный экскурс в Грецию (диск 2007 года «Alexandreia», более чем обязательный к прослушиванию), Донатас Биелкаускас снова «вернулся» на родную сторону, посвятив новый альбом Donis шестисотлетней годовщине битвы при Грюнвальде. «Kas Tave Šaukia...» стал продолжением, а точнее, развитием альбома «Bite Lingo» - тут тоже за основу взяты старинные литовские военные песни, к Донатасу снова присоединилась певица Раса Серра, чей сильный и красивый голос способен передать эмоции и смысл текстов даже тем, кто литовским языком не владеет.

Четыре года работы, множество приглашенных музыкантов, отточенное исполнение и композиторский талант Биелкаускаса, в наличии которого никто уже давно не сомневается – вот что делает «Kas Tave Šaukia...» видным релизом не только в рамках балтийской фольклорной сцены, но и общеевропейской. Военные песни повествуют не только о скорой победе и готовности ринуться в бой, в них переданы и чувства ждущих дома матерей и жен, скорбный плач по погибшим и молитвы с просьбой защитить и уберечь любимых на поле боя. Соответственно и музыка передает эту палитру эмоций и переживаний – начинаясь с атмосферного intro «Kur Vainelė Vajavoja», отражающего напряжение и собранность солдат за несколько минут до начала битвы, диск продолжается бравурными маршевыми ритмами «Kas Tave Šaukia» (вещь, кстати, не новая, под названием «Zalio Vario» ее можно было услышать на одном сборнике), нервными импровизациями электрогитары (наличие которой поначалу казалось спорным нововведением в музыку Donis), призывной волынкой-дудой и дарк-фолковыми тремя аккордами. Это битва, и битва кровавая, адреналин выбрасывается в кровь мощным потоком, и из-за этой «передозировки» не сразу приходит убеждение, что композиция записана просто превосходно – каждый штрих выверен до мельчайших деталей, каждый инструмент на месте, голос будоражит, ритм заставляет встать и идти, неважно куда. Впрочем, музыка не провоцирует на агрессию. И уже следующая песня, «Tolyn, Namo ...» повествует о другой стороне героических событий – задумчиво поют флейты и свирели, мощный электронный ритм рассыпается звоном колокольчиков, в голосе слышны тревога и ожидание. В «Anksti Rytą» слышны мягкие джазовые импровизации, положенные на бренчание гитары, а следующая песня, «Čiulba Ulba Karvelėlis», стала апофеозом «женской», назовем ее так, части альбома, сосредоточенной на переживаниях и надеждах – здесь Раса поет а капелла, и поет так, что пробирает до костей. Поминальная песнь или молитва сменяется грозным напором «Reiks Joti Vainužėlėn» - две солирующие гитары, акустическая и электронная (выдающая, когда ей неожиданно уступают место все остальные инструменты, чуть ли не хард-рок), сухой треск барабанов, жужжание дуды и ветер в ушах. Боевой поход ненадолго скрасят скрипки и гитарные партии из серии «легенды инструментальной музыки» в «Trijų Seselių Jauns Brolužėlis», но до конца диска «мужская» энергетика, выраженная в бодром ритме, залихватском задоре аккордеона («Ūžia Ąžuolėliai») и взбудораженном настроении с нотками грусти, на которую воин имеет право вечером возле костра, будет преобладать.

Donis давно вошел в ту стадию своего существования, когда каждый новый альбом признается лучшим в дискографии проекта – и, может быть, по этой логике, следующее творение музыканта также назовут верхом его творчества. Но пока что диск «Kas Tave Šaukia...» заслуженно получает это звание. Событие в мире фолк-музыки.

Maeror3  25 май 2011

Парадокс, но «сибирский метал» (а именно так характеризуют стиль своей музыки создатели Kamlath) в случае «Stronger than Frost» исполняют люди, имеющие весьма посредственное отношение не только к Сибири, но и к России вообще. Интернациональный проект, зародившийся все же в умах наших соотечественников, что не может не радовать, собрал в свои ряды не абы кого, а людей известных и уважаемых – за гитары вместе с Максом Константиновым отвечает Майк Вид (King Diamond, Mercyful Fate, Candlemass, etc), барабанит Деннис Лифлэнг (Within Temptation, Epica, Lita Ford, etc), а «вокальное бремя» несет Марко Беневенто из The Foreshadowing. К тому же, сводилось все не «во глубине сибирских руд», а совсем даже в Италии. Команда профессионалов подошла к процессу создания ответственно, результатом чего стал очень качественный, отлично звучащий, профессиональный релиз, способный надолго задержаться в проигрывателях слушателей и претендовать на интерес со стороны составителей разного рода чартов. Правда, что-то исконно сибирское, пресловутый «русский дух» найти здесь сложно (недавний дебютник «Вitterness of the Years That Are Lost» коллектива Who Dies in Siberian Slush тему раскрывает гораздо нагляднее, так что интересующимся рекомендую обратиться к нему) – из «доступных» атрибутов только проливной ливень, открывающий диск, да порывистый ветер, сметающий мелодии и голоса в финале «From Siberian Deeps». Между буйствами стихии – выполненная по канонам dark metal (то есть на стыке жанров, от атмосферного дума до дэта) техничная и эмоциональная, не слишком сложная, брутальная или «грузящая» музыка, в которой все крутится не столько вокруг громыхающих ударных, жестких плотных риффов низко настроенных гитар или меланхоличных «соляков», сколько вокруг вокальной части. Неплохие тексты Марко поет сильным и красивым голосом, опять же, довольно эмоционально, с чувством, отчего создается впечатление, что дебютник Kamlath должен прийтись по вкусу даже романтичным девочкам, не способным «переварить» ничего, кроме love metal`а – это, однако, не оскорбление, а просто констатация универсальности музыки, ее ориентации на более массового слушателя, при этом сложно обвинить коллектив в усредненности и потакании вкусам аудитории, они просто нашли возможность сделать свою музыку интересной для большого количества людей. Как и положено, альбом слушается на одном дыхании и производит впечатление, будто также, единым порывом и был записан, но за этим кроется большая и упорная работа музыкантов, которые вложили души и время в запись «Stronger than Frost». Очень сильный и качественный релиз, заслуживший звания одного из главных открытий нынешнего сезона.

Maeror3  20 май 2011

За время своего существования doom metal, как и любой стиль музыки, стараниями своих адептов претерпел столько изменений, что теперь и не знаешь даже, как реагировать на термин «traditional doom metal», которым издатель характеризует дебютный альбом итальянской команды Fangtooth. Правда, тут же, в пресс-релизе, упомянуты в качестве ориентиров Candlemass и Trouble, группы, названия которых в рецензиях зарубежных обозревателей на этот диск присутствуют чаще, чем упоминание о самих виновниках торжества, что способно расставить все по своим местам.

Итальянцам, назвавшимся в честь глубоководной рыбины и черпающим вдохновение в творчестве Роберта Говарда, Лавкрафта, а также из древних мифов (откуда полезли и глаза Бога, и всякие плачущие нефилимы), в целом удалось воссоздать «традиционное» звучание думовых «классиков». Основу основ задают гитарные риффы, то медленные, вязкие и неповоротливые, то быстрые, плотные и массивные, да рельефно выписанный бас, – не сказать, что есть какие-то особенные изыски и запоминающиеся моменты, скорее грамотная ученическая работа, в которой проявлено безграничное уважение к основам стиля, нежели что-то большее. Не обходится без дэтовых запилов и вполне себе хардроковых «соляков», можно заметить также, что Fangtooth питают симпатии к музыке Motorhead, а толику эпичности, замешанной на сказаниях о богах и разных мифических существах, черпанули полной ложкой с альбомов Manowar и иже с ними. Эпические нотки, кстати, возникают ближе ко второй части диска, где-то в районе «Father» проклевываются зерна глобального замысла (и приятные голоса сирен), который музыканты пытаются развить в дальнейшем, умудряясь удивить чуть ли не партиями фламенко в начале «Martyr». Правда, все попытки серьезно разнообразить музыку быстро исчезают по той причине, что сами участники группы словно боятся отойти в сторону от канонов. В этом ничего плохого нет, просто по большей части их музыка звучит однообразно и скупо, как-то камерно и зажато. Способствует этому ощущению и звучание ударных, которые вроде бы и есть, а вроде бы и Бог с ними, и, особенно, вокал, – вероятно, это самая слабая сторона альбома. «Чистые» партии записаны на почтительном расстоянии от микрофона, отчего голос звучит по-квартирному, к тому же его носитель не особенно старается попадать в ноты и как-то бороться с излишней крикливостью, которая вместо здорового пафоса вызывает лишь усмешку. И еще Fangtooth противопоказаны паузы, – стоит только им сбавить обороты и начать перестраиваться на новый ритм, как все составляющие их музыки начинают расползаться во все стороны и катастрофически скучнеть. Можно и не дождаться, когда итальянцы вновь соберутся с силами и начнут заполнять колонки плотным риффингом, еще более быстрым, чем пару минут назад.

Ожидания, не сильно завышенные, не обманули – действительно, (слишком) канонический и (очень) олдскульный doom. Другое дело, что упомянутых ранних Candlemass слушать все-таки интереснее, а в случае с Fangtooth мы имеем (пока что, ибо потенциал есть) дело с в меру добротной, но обезличенной работой, из которой при желании можно было сделать конфетку, но сами музыканты наступили на горло своей песни и остались просто «последователями».

Maeror3  19 май 2011

Пятый альбом Benighted in Sodom формально развивает идеи предыдущего творения Матрона Торна «Hybrid Parasite Evangelistica», но при этом старательно выискивает во мгле нигилизма свой путь, оглядываясь больше на наработки молодой пост-роковой смены, предпочитающей задумчивые и созерцательные звуковые пейзажи (впрочем, американские блэкари вообще редко занимаются изучением матчасти и клонированием первооснов, заложенных «северными варварами»). Посвященный любящим прогуляться по коридорам американских школ с дробовиком в руках психам, «Reverse Baptism» погружает в пучину отчаяния…причем именно «погружает» и именно «в пучину». Добивается этого Матрон просто – гитары настроены выдавать медитативные зацикленные тремоло в промышленном масштабе, тяжелый риффинг убирается совсем на задний план, выталкивая вперед рваные сольные партии, ритм пробивается агрессивными скоростными бластбитами и в остальном не всегда заметен, электронный эмбиент, блуждавший тенями на предыдущем диске, изгнан за ненадобностью. Результат необычен и заставляет вспомнить японцев «Mono» и их ранние альбомы, в которых стена неподвижного звука часто обрушивалась на слушателя, погребая под обломками. Автор Benighted in Sodom, следуя этой логике, долго накручивает себя зыбким гитарным гулом, распаляясь до того, что ненависть к жизни прорывается сквозь медикаментозный заслон потоком плотного шума и полным отчаяния надсадным криком, издавая который, Торн постарался, чтобы его слова не просто осели строчками в буклете, а были понятны всем и каждому. И все-таки «Reverse Baptism» звучит как «альбом-размышление», работа зрелого музыканта, пытающегося не просто вытолкнуть слушателя из объятий рассудка и хорошего настроения, а стремящегося скорее предупредить о чем-то мрачном, что скрыто в повседневном мире. Отсюда и необычно звучащая (в альтернативно-МТВишном стиле), но превосходно бьющая по нервам песня «Try to Forget Us», и экспериментальная дилогия «Ocean», в рамках которой автор играет со стилями, балансируя на грани чистоты и грязи и рассуждая о вечности, к которой каждый может приблизить себя при помощи лезвия, вновь «любезно» вынесенного на обложку диска зримым напоминанием о том, что все в наших руках, в том числе и смерть. Сильно, эмоционально, зло…и красиво. Заставляет проникнуться интересом и потратить время на внимательное неоднократное прослушивание. Пятый и лучший полноформатник Benighted in Sodom.

Maeror3  18 май 2011

В этом году братья Найджел и Клайв Хамберстоуны празднуют двойной юбилей - тридцать лет назад увидел свет первый альбом их группы In the Nursery, а самим близнецам стукнуло по полтиннику. Стоит заметить, что для людей, суммарный возраст которых перевалил за сто лет, эти товарищи необычайно бодры и активны. И пусть ничего нового на дисках под маркой In the Nursery не выходило с 2007 года, музыканты не сидели без дела - они писали музыку, которую тут же растаскивали на саундтреки голливудские продюсеры, украшавшие ею трейлеры и батальные сцены многих блокбастеров. Естественно, ведь помимо музыки, братьев всегда интересовал кинематограф. Ими было создано много саундтреков для старых, еще немых фильмов (занятие, крайне популярное на Западе, хотя и способное показаться абсолютно бесполезным), что стало неплохой разминкой для работы в большом кино (и на телевидении, из последних достижений стоит отметить работу над музыкой к сериалу «Игра престолов»), да и «альбомная» музыка братьев всегда была склонна к сильному «кинематографическому» эффекту, яркой образности и повышенному градусу эмоциональности.

Также любима группа и поклонниками постиндустриальной и готической сцен, особенно благоволят к ней многие фанаты и исполнители martial и неоклассики, считая своими учителями. И хотя сами братья своей привязанности ко всяким «маргинальным» течениям особенно не демонстрировали, с фактами не поспоришь - уже открывающая «Blind Sound» композиция «Artisans of Civilisation» звучит так мощно и вызывающе ярко, что хочется, как минимум, встать, сомкнуть строй и помаршировать. Грозный ритм, «апокалиптические» оркестровые партии, нарастающее напряжение и ровный суровый вокал, словно зачитывающий приговор этому миру - вообразите горящие факелы, полки солдат и всеобщий дестрой, трагический и беспощадный. Пальцем тыкать не хочется, но многим «мартиалистам» и «неоклассикам», просиживающим штаны за своими ноутбуками и подрезающими сэмплы оркестра где попало, стоит сбегать в магазин и приобрести этот диск хотя бы для общего развития. Задав тон, ритм и настроение альбома, братья в дальнейшем поддерживают незатухающий огонь разбудораженных страстей, грохоча в барабаны, лязгая тарелками, задействуя эпические хоралы, накручивая жирные гитарные риффы и активно пользуясь услугами приглашенных гостей, среди которых прописался вездесущий Мэтт Хоуден со своей однообразно-тоскливой скрипкой, Лиз Хэнкс с виолончелью и Грэг МакЭлерни с арфой. Эти граждане вместе и по отдельности творят настоящие чудеса в «Trial by Error», «Coloured Silence», «Resonate» и «Overtone», оттеняя подавляющую мощь оркестра чувственностью, тоской, светлой грустью и яркими всполохами надежды. Долорес Маргуэрит страстно шепчет в «Crepuscule», «Resonate» и «Crave», заставляя вспомнить довольно нетипичный для In the Nursery, но, безусловно, гениальный диск 1998 года «Lingua». Все это рождает мощнейший «классический» шедевр, один из лучших релизов в дискографии коллектива и вообще в жанре. Говоря проще и понятнее - после прослушивания «Blind Sound» хочется выйти на балкон и покурить даже тем, кто не курит и вообще ровно дышит к подобной музыке.

Maeror3   1 май 2011

Музыка Blut aus Nord, безусловно, на любителя, причем она не только дает этому самому любителю что-то в плане ощущений, но и требует от него нечто взамен – хотя бы пристального внимания и безоговорочного принятия того, чем занимается Виндсвал и его коллеги на протяжении многих лет. Между тем, эти товарищи решили озадачиться созданием новой трилогии, первой частью которой и стал диск «777 - Sect(s)», еще более странный, темный, мрачный, экспериментальный и предельно дискомфортный, нежели все, что мы могли услышать ранее под маркой Blut aus Nord.

Встречая своих слушателей, альбом отнюдь не раскрывает объятий, более того, он тут же старается от себя оттолкнуть скоростными бластбитами (когда музыкантам кажется, что грохочущие бочки недостаточно активны, они тут же добавляют параллельный поток ритма, утяжеляя тем самым композицию неимоверно) и атональными риффами, расползающимися во все стороны как змеи и образующими странные музыкальные узоры (кто-то, впрочем, вправе назвать их какофонией), на первый взгляд, в общий поток не вписывающиеся и вызывающие даже отторжение. Бас предельно размазан и тоже звучит… хм, «странно»; вокал зол, для его предельного искажения используются акустические особенности помещения, в котором он был записан, создающие стойкую уверенность, что помимо микрофона там еще разместился жертвенник с запекшейся кровью, окруженный пентаграммами и слабым, неживым светом, испускаемым оккультными знаками, коими обильно изрисованы стены. Будьте готовы – именно так звучит Blut aus Nord здесь и сейчас. Хотя, конечно же, Виндсвал не находит, как и прежде, ничего интересного в отупляющей и обездвиживающей однообразности, при помощи которой можно легко ввести в транс, но потом возникает вопрос - что делать дальше? Дальше остается только экспериментировать и искать – и тут француз открывает другую часть своей души, тяготеющую к медитациям на всякие эзотерические темы. Ритм замедляется, при его создании исследуются разные варианты, вплоть до аналогов трип-хопа (финальные минуты «Epitome 01»), выплывают синтезаторные хоралы и атмосферные фоновые зарисовки с блуждающими блеклыми мелодиями, монотонные и резкие терзания струн создают особенное настроение, замешанное на мрачных раздумьях и меланхоличных мечтаниях, а психоделические вкрапления окончательно «сносят крышу» и рвут ткань реальности. Особенно показательны в этом смысле четвертая (вот если бы она была покороче, и автору не пришлось бы топтаться на месте, безуспешно борясь со скукой…) и шестая части «Epitome», композиции эмоциональные и захватывающие, – дыхание от них, конечно, не прерывается в пароксизмах восторга, но внимание к себе они надежно приковывают.

«777 - Sect(s)» адресован, прежде всего, ценителям экспериментального блэка, пост-блэка и авторских, «штучных» работ, не стремящихся быть похожими на целый легион однообразных клонов. Злобная и задумчивая музыка, часто излишне прямолинейная, а зачастую увлеченно играющая с оттенками и полутонами, философия мизантропии в чистом виде и всполохи душевных переживаний на одном альбоме.

Maeror3  14 апр 2011

Настоящий воин, как известно, должен быть быстрым, беспощадным и бесстрашным. Украинским музыкантам вполне хватило тридцати с небольшим минут, чтобы донести до слушателя заряд воинственной ненависти, при этом троица обошлась без показного бряцанья оружием и героических сэмплов. Их война, отраженная в восьми песнях (в которых превалирует русская лирика), вообще, кажется, лишена героики – идет бой на стороне ненависти и мизантропии, и времени на позерство и патетику нет. War & Hate Black Death Metal – в эти стилевые рамки можно поместить «Кровь Земли Моей». Разрабатывая эту территорию, участники Myrkvids Draumar выдают музыку относительно быструю, жесткую, при этом зачастую мелодичную (но без перегибов, сами понимаете), эмоциональную. Живые барабаны иногда сбиваются и звучат довольно приглушенно, но когда ритму не хватает нужной мощности и напора, в дело вступают гитары, выдавая лаконичные, пусть не оригинальные, но сильные сольные партии и поддерживающие яростный скриминг и тяжелый гроулинг (которые иногда накладываются друг на друга, образуя примечательный дуэт, как, например, в песне «Нового Ада Огонь») атмосферными, а порой и излишне прямолинейными, качающими риффами. При этом все компоненты композиции не сваливаются в плотный ком из звуков, как это часто бывает. Наоборот, между слаженными партиями инструментов «сквозит» чистый воздух, придающий музыке дополнительный объем, который не слышишь, но явно чувствуешь. Тексты группы, надо отдать должное, представляют собой не стандартные речёвки типа «взвейтесь, развейтесь, оружие в руки, всех мочить», а довольно выразительные и образные произведения, хотя и выдаваемые порой с излишней прямолинейностью, больше подходящей для агитационной деятельности перед возбужденной и мало что понимающей толпой.

Восемь гневных и наполненных ненавистью боевых гимнов, бескомпромиссных и не дающих поверженным (пусть не сейчас, но в будущем обязательно) врагам надежды на милость победителя. И пусть боец, запечатленный на обложке нового альбома Myrkvids Draumar устало склонил голову и отвернулся от сочащегося кровью и озаренного огнем пожарища поля, принявшего очередное сражение в бесконечной войне, мы-то с вами понимаем, что это – всего лишь привал, короткая передышка. Бой будет продолжен в любом случае. Myrkvids Draumar - достойные представители украинской сцены и их новый релиз заслуживает всяческого внимания.

Maeror3  24 мар 2011

Музыка итальянского музыканта, избравшего себе творческий псевдоним Winterblood такова, что слушать ее необходимо в строго определенном настроении – или не слушать вовсе. Хорошо и даже отлично, если это настроение слушатель культивирует, прослушав хотя бы несколько дисков из обширной дискографии немецкого проекта Vinterriket, из эмбиентных работ которого и вытекает кровь зимы.

Почему же музыку итальянца лучше не слушать при отсутствии этого самого настроения? Потому, что тогда она покажется излишне монотонной и неинтересной – следуя канонам радикального минимализма, кои процветают среди металлистов-создателей black ambient`a, готовых для этих целей плодить бесконечные сайд-проекты, итальянец на полном серьезе может крутить полчаса по кругу одну и ту же простенькую тему из трех-четырех нот, подкладывая фоном монотонный атмосферный гул, в глубинах которого даже мерный маршево-похоронный ритм кажется проявлением разнообразия. При этом основная тема «Incantazione» очень (и это слово хотелось бы подчеркнуть) напоминает начало знаменитой темы из фильма «Терминатор», разве что замедленную в несколько раз. Минут пятнадцать мелодия повторяется практически без остановки, странным образом воздействуя на слушателя, одновременно и раздражая, и убаюкивая. Затем структура изменится, добавится синтезаторный хор, музыка начнет медленно падать вниз кристально прозрачными холодными каплями, – и вот здесь, скорее всего, слушатель, настроенный как надо, полностью провалится в мрачноватый мирок Winterblood с его горами, вершины которых скрывает непроницаемая тьма и густой туман, утопающий в холодных ручьях, бегущих по склонам вниз. «Catena Invisible» окажется на проверку еще более монотонной работой и вообще никак не станет изменяться, оставаясь для слушателя еле уловимым эхом, разносящимся среди этих ночных пейзажей. Музыкант всячески отделяет свое творчество от привычного блэковой сцене (все-таки именно ее представители и являются основными потребителями подобной музыкальной продукции) сатанизма и прочих «интересных» вещей, заявляет о вдохновении, черпаемом в астральных проекциях и эзотерической геометрии, на обложку ставит одну из работ Киттельсена и вообще, делает много чего, чтобы понравиться. Лицам, уставшим от «ядерного мочилова» бластбитов и маргинальным особам, страдающим эскапизмом и тягой к безлюдным пространствам, «Incantazione» можно смело рекомендовать для их темных медитаций. Хотя даже на фоне работ коллег по сцене, разделяющих любовь к чередованию двух-трех клавиш на стареньком синтезаторе, творения итальянца звучат чрезмерно однообразно. Впрочем, тут все зависит от настроения, что и было оговорено ранее.

Maeror3  15 мар 2011

Неторопливо, в полном соответствии с имеющимся представлением о менталитете северных народов норвежцы Ulvhedner добрались до своего первого полноформатного альбома, к которому они шли без малого лет семь. Поднятая тема о менталитете оставляет двойственное впечатление о людях, чьи жизни проходят среди фьордов и древних лесов, большую часть времени занесенных снегом: с одной стороны, люди эти наверняка язычники и отчасти романтики, знающие свои корни и живущие в гармонии с окружающим, весьма суровым миром, с другой стороны, не стоит забывать, что из этих суровых романтиков получились не менее суровые воители, намотавшие на свои мечи не один километр вражеских кишок.

Как мне кажется, музыка «For I Tida» повествует (может быть, и не в полной мере, но хотя бы отчасти) как раз об этой двойственности. Перед нами на первый взгляд типичный «ортодоксальный» северный блэк – скоростные бластбиты (за ударные Ulvhedner уже попинали, кажется, все, поэтому свои три копейки в общую кассу вносить не буду, скажу только, что мне искусственное происхождение ритма ощущение от прослушивания не испортило), быстрые и сырые жужжащие тремоло с необходимой сыростью и нарочитой грязью, рельефные басы, монотонные тяжелые риффы и лающий вокал. Композиции средней продолжительности быстро разгоняются, а разогнавшись, не спешат остановиться, сплетая вгоняющую в транс звуковую сеть. Казалось бы, вполне обычный продукт, коих и без Ulvhedner было создано в порыве гениальности и просто наштамповано несметное количество. Но не тут-то было. При всем этом музыка норвежских музыкантов содержит в себе еще и отсылки к viking metal (пафосные народные мелодии без приторной лубочности, героический чистый вокал), а также демонстрирует удачные эксперименты с внедрением следов сторонних жанров, когда то тут, то там слышны отголоски не только «обязательного» дэта, но и хэви, и чуть ли не блюзовые вариации (слушать «Tollenkniven» и надеяться, что это был не звуковой мираж). Заряжая обоймы бластбитов и наяривая тяжеленные риффы, музыканты не забывают разбросать по заднему фону атмосферные, очень минималистичные и отчаянно простые, но почти всегда точно попадающие в цель клавишные зарисовки и короткие мелодичные пассажи, дарующие слушателям редкие минуты отдыха на фоне заснеженных, залитых редкими лучами солнца пейзажей. Впрочем, запомнить «For I Tida» придется еще и за то, что его создатели весьма оригинально подошли к построению композиций. Они состоят из нескольких частей, причем каждая имеет свой ритм, свою основную тему и даже свою манеру исполнения – и при этом песни не распадаются на фрагменты (не всегда понятно даже, как это вообще возможно), а слушаются как единое целое. Все перечисленное отодвигает творение Ulvhedner далеко в сторону от понятия «банальность» и заставляет переслушивать диск раз за разом с нескрываемым удовольствием и удивлением. Сильная, уверенная работа, заставляющая выдавать большой кредит доверия в счет будущих творений.

Maeror3  15 фев 2011

Юбилейное переиздание диска 2001 года «The Mystical Beast of Rebellion» от Blut aus Nord (в случае с данным материалом в авторстве его замечен всего один участник коллектива, его главарь, известный как Vindsval), еще одного локального, но вполне заслуженного культа с темных территорий французского enigmatic black metal. Первый тираж давно уже стал коллекционной редкостью, но чтобы раскрутить на очередную покупку не только «простых смертных», но и этих самых коллекционеров, француз записал своеобразное дополнение – три композиции, осевшие на отдельном диске и призванные показать слушателям развитие идей, ставших когда-то основой данного альбома.

«The Mystical Beast of Rebellion» стремительно стартует с места в карьер – мигом разгоняются скорострельные бластбиты (причем иногда запускается сразу несколько параллельных ритмических линий, что подчеркивает тяжесть музыки), монотонно и устрашающе жужжат гитары, колючей проволокой впиваются в кожу дэтовые риффы и перетекают друг в друга напряженные атмосферные тремоло, пока вокалист отчаянно орет в микрофон, всячески давая понять, что этот голос никак не может принадлежать человеку. Между чаптерами лежит черная слякоть из однородного подземного гула, из глубин которого раз за разом всплывают все вышеперечисленные звуки, на первых порах вызывая стойкое ощущение, что «The Mystical Beast of Rebellion» кончится также, как и начинался, да и вообще, никаких особенных изменений, кроме все нарастающей от трека к треку ярости, ждать не нужно. Гитары раз за разом набирают обороты, начинают пронзительно истерить и становятся практически невыносимыми – до тех пор, пока «пятый номер» не повернет течение альбома совсем в другую сторону. Молотилово сменится неторопливым думовым ритмом, тяжеловесные риффы осядут вялотекущим скрежещущим потоком, полным грязи и беспросветного отчаяния, тремоло приобретут меланхоличную хрипотцу, а голос опустится в самые глубины адовой бездны. Именно по этому пути развития пойдет и новый, еще не звучавший ранее материал – экспериментальный, довольно сложный и неповоротливый, абстрактный post black со странно звучащими гитарными партиями, которые, как пьяные, непредсказуемо мечутся из стороны в стороны, вызывая ощущение нестабильности и скорого конца. Логично, впрочем, что вся эта черная буря, смешавшая характерный французский блэк, дум, дэт, немного эмбиента и много неописуемых странностей, закончится тремя минутами полной тишины, которая окажется еще страшнее, чем все то, что ей предшествовало. Сильная работа. Данное издание – хороший шанс приобщится к этому культу для тех, кто десять лет назад пропустил «The Mystical Beast of Rebellion» или слушал совсем другую музыку, а потом прозрел и понял, как все-таки притягательна и загадочна тьма.

Maeror3  15 фев 2011

До начала прослушивания альбома, еще только глядя на его обложку, хотелось начать рецензию как-нибудь «поэтично» – ну, сравнить монотонные запилы с медленно опускающимся на окопы облаком ядовитого газа, уподобить ритм грохоту канонады, одним словом, обозначить принадлежность «Marktdominans» к эстетике war black metal. Да и начинается второй миньон густо раскрашенной четверки Drephjard вполне логично – раскатами грома, передергиванием затвора, военными маршами, героическими голосами, ревом летящих снарядов и прочим звуковым антуражем. На деле же материал этого короткого диска вполне может восприниматься как саундтрек к жестокой рукопашной, когда уже нет времени на марши, приказы и лязг затворов – когда серая масса противника распадается на отдельных людей, когда в руках блестят саперские лопатки и штыки, когда горят боевым безумием глаза и каждый из этих солдат, несущихся на тебя, пребывает пока что в двух состояниях одновременно – он и убийца, и жертва, и сделать выбор в пользу чего-то одного предстоит именно тебе. Да, гаражный (в данном случае это никак не претензия, просто констатация факта, помогающая слушателям лучше понять, как это все звучит) блэк Drephjard яростен, лют и предельно быстр, – создается впечатление, что музыканты поставили перед собой задачу ускоряться от трека к треку и делают это с упертостью человека, получившего приказ «ни шагу назад». В основе лежат скоростные бластбиты и монотонный холодный лязг медных тарелок, ритм то грешит нарочитой «ведерностью», но вполне сносен, даже когда разгоняется без оглядки и обгоняет все остальные инструменты, внося диссонанс. Гитарные риффы и тремоло вполне предсказуемы, не очень выразительны, но также нареканий не вызывают. Вокалист кричит безумным вороном, нещадно надрывая горло и захлебываясь быстрой скороговоркой слов, но только интересное эхо, вторящее голосу в начале «Kald Jord» заставляет обратить на него внимание. По старинке размашистым движением начисто отрезаны все низкие частоты, отчего «Marktdominans» звучит одновременно и суховато, и как-то прозрачно, эфемерно, без должного объема. В меру интересный, энергичный и стандартный материал, от в меру интересной, энергичной и стандартной группы. Все хорошо, энергия бурлит, ярость клокочет, но когда нужно будет вспомнить об этом альбоме через часок-другой, в памяти, скорее всего, всплывут первым делом немногочисленные, но очень уместные сэмплы, разбросанные здесь и там. В них, конечно же, война, война, война…без прикрас, пропитанная кровью, грязью и гноем, жестокая мясорубка, о которой можно рассказать примерно так, как это сделали Drephjard.

Maeror3  15 фев 2011

Буду честен – первого альбома «Янтарных слез» я не слышал, ничего о нем сказать не могу, так что громкие заявления о том, что «Ключ к декабрю» - это «долгожданный второй альбом самой известной российской pagan / doom metal группы, по праву считающейся одной из лучших на отечественной pagan metal-сцене» воспринял с некоторым недоверием. В конце концов, принято считать, что второй альбом в дискографии каждого исполнителя и коллектива – один из важных этапов карьеры, именно по нему видно, выдохся ли очередной «гений» после своего дебюта или же готов и дальше удивлять и радовать.
Итак, второй альбом – его некогда «продолжатели дела культовой белорусской группы «Gods Tower»» (интересно, когда уже перестанут так называть каждый второй коллектив, не поленившийся обозвать себя «языческим»?), а теперь самостоятельные и самобытные творцы начинают красивым атмосферным интро, во время которого под ногами странника скрипит снег, над его головой кричат птицы, а путь его простирается по заснеженной равнине. Сразу же обращаешь внимание на звучание синтезатора – его партии лаконичны, отчасти сказочны, в меру эпичны и далеки от стандартной фоновой «размазни», коей грешат многие коллеги по сцене. Клавиши обеспечивают и нужный объем «симфоничности», выступая деликатными хоралами и оркестровой мощью тогда, когда в ход идут тяжелые и грузящие монотонные риффы, технически безупречные и мелодичные гитарные соло, а вокалист начинает петь в два голоса, то выдавая задумчивые рассуждения, то переходя на сиплый гроул. По всему видно, что участники коллектива начали борьбу с терминами вроде «последователи» и «продолжатели дела» и стали работать над собственным уникальным звучанием, что не только выглядит разумным ходом, но и звучит весьма интересно. Из того, чем «Янтарные слезы» еще приятно удивили, кроме клавишных и гитарных соляков, которые ближе к концу не только не выдыхаются, но и набирают обороты – это, прежде всего, гусли. Вот, казалось бы, самый народный инструмент, но паганисты в массе своей с ним дел предпочитают не иметь. Здесь же они представлены во всей красе, но в меру, без лубочной истерии на народном творчестве. Их кристально-чистые переливы оттеняют заторможенную поступь дэтовых риффов и дополняют гулкие раскаты ритма. Еще интересны разного рода эффекты, из-за которых некоторые партии гитар имитируют рожки и прочие духовые инструменты («От Солнца Прочь») или приобретают загадочную размытость («Тихим Ручьем»). Ну а с неожиданной неофолковой композиции «Печаль Седых Холмов» начинается финальная и лучшая часть диска, после прослушивания которой хочется повторить все восторженные отзывы и подписаться подо всеми выданными группе авансами от слушателей и критиков. Хочется, однако, рассказать и о самой слабой стороне «Янтарных слез» – это тексты. Я, конечно, не филолог, но больше всего они напоминают записки одухотворенного подростка на последних страницах школьной тетради. Односложные предложения, банальные рифмы из цикла «тебе-мне», рубленые избитые фразы, псевдофилософия… я уже молчу о непонятном обилии запятых в текстах, размещенных в буклете, это уже натуральный кошмар учителя русского языка. За это – одну звездочку долой. За все остальное – высший балл.

Maeror3   9 фев 2011

Разросшийся из oneman-проекта (начало которому было положено в 2003 году) до полноценной группы из пяти человек коллектив «Who Dies In Siberian Slush» хоть и обитает в Москве, музыку исполняет самую что ни на есть сибирскую – безысходную и образную (под стать названию), суровую и опустошающую, совсем как порывы зимней вьюги, но также и красивую, пропитанную по мужскому скупыми эмоциями. После нескольких демо музыканты подготовили дебютный диск «Вitterness Of The Years That Are Lost», собрание выверенного и грамотно поданного материала, жесткость которого обусловлена тяжелыми death`овыми запилами гитар, а все остальное выполнено аккурат в рамках funeral doom, обильно сдобренного не только угрюмым, весьма своеобразным рыком и голосами приглашенных вокалистов из других команд, но и интересными клавишными зарисовками, которые слегка растапливают холод этой непростой музыки.
Поначалу создается впечатление, что «Вitterness Of The Years That Are Lost» - это продукт алкогольной горячки. Рюмка водки на столе, благодарности участников коллектива алкоголю как источнику вдохновения, да и лица этих людей, запечатленные на развороте буклета, словно подсказывают, в каких условиях создавались композиции. Шутки шутками (надеюсь, музыканты не обидятся), но настроение «Leave Me» и впрямь напоминает горькое похмелье – близкий человек ушел, причем не просто, а насовсем, ничего вернуть нельзя, можно только впасть в забытье, напиться и угрюмо реветь пьяным медведем в микрофон, в то время, как рядом топчется на месте раскатистый барабанный ритм да лязгают гитары. Однако чем больше слушаешь эти песни, тем сильнее проникаешься их настроением, оказываешься с ним на одной волне и понимаешь, что это не ты, добрый такой критик, смотришь на огрехи музыкантов сквозь пальцы – это огрехов, собственно говоря, здесь и нет. При том, что большинство композиций звучит очень похоже (варьируется лишь скорость ритма), каждый раз создатели находят что-то, чтобы зацепить слушателя – музыка вроде бы и монотонна, и даже в сон может потянуть, но ты упорно обращаешь внимание на периодический шепот, разложенные по стереоканалам звуки, смену мелодий, нервозные диссонансы, эмоциональные, а зачастую и истеричные партии гитар, внезапно ломающие весь ход повествования, а также фиксируешь многочисленные синтезаторные эффекты (вроде хора в «Завещании Гумилева»), которые всегда приходятся к месту. Тексты (за их расшифровкой лучше обратится к буклету) тоже неплохи, во всяком случае, легко уделывают многих коллег по сцене – к тому же, не каждый может похвастаться, что знает, кто такой Гумилев, так что еще и ликбез какой-никакой получается. Когда же никто из участников «Who Dies In Siberian Slush» не ревет и не шепчет отстраненно в микрофон, мы слышим несколько инструментальных композиций – таких же скупых, сдержанных, наполненных воем пурги. Особенно удачна в этом плане «An Old Road Through The Snow», акустическая, и вроде бы бесхитростная вещь, которая вмерзает в память и остается там надолго.
Один из тех редких в наше время альбомов (особенно относящихся к funeral doom), после прослушивания которого не жалеешь потраченного времени, совсем даже наоборот. Он наваливается своей тяжестью и долго не отпускает, но все равно, когда музыка перестанет играть, вы, стряхнув пелену липкой безысходности, почувствуете удовлетворение.

Maeror3   8 фев 2011

Свой дебютный альбом греческая шестерка Shattered Hope записывала долго и обстоятельно – с 2002 года, когда музыканты собрались вместе под этим названием, ими были реализованы всего две демо-записи (что, согласитесь, не много), которых вполне хватило некоторым немногочисленным обладателям их копий, чтобы ожидать от долгостроя по имени «Absence» чего-то, по меньшей мере, интересного и познавательного. Разумеется, команда, назвавшаяся «Разрушенной Надеждой» (что, к счастью, не стало пророчеством для тех, кто ждал выхода этого релиза) должна играть doom, лучше всего со следами death metal и «похоронными» интонациями, и лучше всего как можно более атмосферный и предельно трагичный, чтобы клавишные пассажи, сменяющие все нарастающее напряжение неистовых гитар, падали льдинками застывших слез, а симфонические вставки растекались на заднем фоне серыми сумерками. Греки все это делают, и делают успешно – разумеется, они идут проторенной тропой и отголоски звучания многих культовых коллективов и альбомов, не вчера увидевших свет, слышны на каждом шагу, но все это реализовано настолько грамотно и с уважением, что не вызывает ни малейших вопросов. В каждой ноте, в каждом лязгающем death`овом риффе, в каждом параллельном движении сложных и эмоциональных гитарных партий, в каждой пульсации медленного ритма слышны годы упорной и аккуратной работы, когда выверялся каждый штрих. Помимо самых участников коллектива, к записи были привлечены вокалисты других греческих команд, а также несколько музыкантов с достаточным уровнем образования, что позволило им извлекать из скрипок нечто большее, чем тоскливый писк раздавленного комара. Добавьте еще безупречный студийный звук – и вы получите релиз, который полностью погружает слушателя в свой мир. Это не песни, это, скорее, картины, наглядно демонстрирующие истории человеческих страстей, разрушенных ожиданий, перечень потерь и редких находок. Или, если хотите, это еще и эпизоды долгого путешествия – по выжженной земле в самые темные уголки внутреннего «Я». Правда, в этом мрачном странствии всегда найдется маяк (см. обложку диска, очень красивую, хотя лично я задал бы пару вопросов типографии, которая печатала тираж, очень уж темной она вышла, отчего многие детали просто не видны), который посветит в темноте. Светит он и в самом финале «Absence», на последних минутах «космической» композиции «The Utter Void», на секунду-другую давая понять, что в жизни всегда есть место надежде.

Maeror3   4 фев 2011

Raventale - проект украинского музыканта Астарота (Deferum Sacrum, Den of Winter), которому одиночество не мешает выпускать под этим названием ежегодно по новому альбому. На этот раз, под занавес 2010 года свет увидел диск «After», который, по задумке создателя, является продолжением предыдущего полноформатника «Mortal Aspirations» и, в то же время, представляет собой вполне самостоятельное произведение, со своей индивидуальной концепцией, которая на этот раз заключается в «размышлении о вечности и её разрушении, о круговороте жизней и существований, об уничтожении этого реинкарнационного цикла самой природой». Богато украшенный золочением буклет данную концепцию поддерживает древнеегипетской тематикой, а также обращением к классике русской живописной школы. В частности, к работе Василия Васнецова «Сирин и Алконост. Птицы радости и печали», откуда на накатку диска закономерно перекочевала Сирин, оставив свою товарку не у дел, ибо о какой радости может идти речь, если музыка Raventale в данном случае сделала еще один широкий и вполне предсказуемый шаг в сторону депрессивного (хотя я бы использовал слово «атмосферного», ибо депрессию у меня «After» вызвать не смог, а вот с атмосферностью у этого материала все в порядке) блэка, не забывая, впрочем, оглядываться на оставленный чуть позади doom с его ритмом погребального катафалка. На этот сдобренный звонкой перкуссией и идущими бок о бок с ним скоростными бластбитами ритм Астарот умело укладывает утробный рык (к чести музыканта надо признать, что даже когда он рычит, тексты песен вполне можно разобрать и за них ему тоже не должно быть стыдно), тяжеловесные, малоподвижные и немного «стоунер»-риффы, параллельно которым извиваются прозрачные тремоло и, чего уж там скрывать, красивые мелодичные партии, в которых и кроется большая часть успеха альбома. Получается довольно нервная, в меру монотонная, и зачастую трансовая (не в смысле «прогрессивного» клубного стиля, боже упаси, а в смысле оказываемого эффекта, здесь особенно показателен трек «Youth») музыка, возрастающее напряжение которой периодически снимают атмосферные клавишные пассажи – словно остановки на стремительном пути, не несущем ничего, кроме потерь и невзгод. Немного шугейза, немного пост-рока и эмбиента, толика меланхолии и крупица давно утерянной красоты - словно смутно знакомый пейзаж на фотографии с эффектом сепии. Альбом действительно концептуальный, все композиции (за исключением безымянного бонуса) воспринимаются как главы одной истории и слушаются, пусть и не всегда с затаенным дыханием, зато с не проходящим интересом. Пожалуй, соглашусь с пресс-релизом, называющим «After» лучшей работой Raventale на сегодняшний день.

Maeror3   2 фев 2011

Последние годы и события подтвердили, что «апокалиптический фолк» (он же «dark folk» и он же, с некоторыми допущениями, «neofolk») вот-вот прикажет долго жить – одни отцы-основатели разбрелись кто куда, застолбив места на территории рок-музыки или же начав наяривать однообразные песенки под пианино, другие сошли со сцены и молчат как партизаны уже несколько лет. Повлиял на это и экономический кризис, и кризис идей – действительно, когда на сцене сменяются один за другим люди с гитарами и скрипками, и начинают петь на один и тот же мотив, совсем как дембеля в поезде «Хабаровск-Москва» терзая свои три аккорда, слушатель невольно заскучает и отвлечется.
Новая кровь, к счастью, еще поступает в артерии жанра, и вливается она тонкими ручейками музыкантов из бурных океанов языческого металла и блэка, многим из которых идеи даркфолкеров всегда казались очень близкими и понятными. Группа, о которой идет речь, Halgadom, свою карьеру начинала на тяжелой сцене, но потом у немцев произошел сдвиг в сторону спокойной, задумчивой музыки с лирикой на родном языке, более понятной и доступной для слушателей за счет того, что не надо больше истошно орать и рычать в микрофон, посвящая очередной гимн Одину и Великой Традиции. Четверка музыкантов с немецкой аккуратностью и упорством выдает незамутненный, чистый, прозрачный folk, к которому и приставку-то «dark» приделать вроде бы некуда, хотя и ловишь постоянно себя на мысли, что истоки этой музыки лежат в работах Sol Invictus, Orplid и Empyrium, прошедших процесс дистилляции. Если нужно будет охарактеризовать альбом «Heimstatt» одним словом, то это будет слово «ровный». Как диск начинается с инструментального вступления «Heimstatt», так и заканчивается красивым и меланхоличным (вещь с настроением и атмосферой, что есть, то есть) треком «Stille» - а между ними с одинаковой долей необязательности расположились семь песен, спетых чистым, опять же, ровным голосом, неподвижно застывшим над светло-тоскливыми переборами гитар, невесомым ритмом и скрипичной тоской, сонное болото которой усугубляет мерно пульсирующий бас и не способны нарушить редкие вскрикивания с угрозами и хоровое исполнение. Вроде бы все в норме, каноны соблюдены, инструменты настроены как надо, и музыканты следят за развитием композиций, – но все равно, уже через десять минут после прослушивания вы, скорее всего, не вспомните ни одной мелодии и не сможете повторить ни одного аккорда. Точнее, сможете, но они все время будут что-то подозрительно напоминать. Ни плохо, ни хорошо – ровно. Бывшие металлисты ничего нового сделать не смогли, лишь активно используют визуальные (черепа, скульптуры, мечи и языческие символы) и музыкальные составляющие стиля, свежесть которых давно находится под вопросом.

Maeror3   1 фев 2011

Поиск во всемирной паутине по запросу «Letargy Dream Гелиополис» выдает неоднозначные результаты, – в то время, как зарубежные рецензенты нахваливают новый альбом группы, отечественные критики в массе своей сыплют упреками и поучениями. Вот и думай, это у нас по-прежнему пророков в отечестве нет, или там, «у них», все такие вежливые? Внося свой трехкопеечный взнос в общую кассу, отмечу, что ощущение от прослушивания «Гелиополиса» замерло где-то посередине, аккурат между разгромом и восхвалением.
Попробовав себя на поприще death/doom, участники коллектива решили шагнуть в бурные воды прогрессивного рока/металла, дабы ощутить безграничную свободу самовыражения и позволить себе все, что душе угодно. Хотите диссонирующие гитары, настроенные предельно низко, словно для исполнения стоунера? Пожалуйста. Хотите скоростной и прямолинейный death? Легко. Хотите женский истеричный крик и чистый мужской вокал? Не вопрос. Хотите «Розовую пантеру» Манчини в качестве разминки перед бурей «Гелиополиса» и не пойми откуда взявшиеся плоские бластбиты в «Сатурне»? Ну, допустим, не очень и хотелось, но ничего не поделаешь, получите. Правда, есть сильное подозрение, что эти, наиболее подвергавшиеся критике моменты есть не следствие бесшабашной вседозволенности и отсутствия чувства меры, а непонятый юмор из серии «физики шутят». Кстати, подобное ощущение, про физиков, возникает, когда дело доходит до текстов, перегруженных смыслами и образами, – здесь, правда, физики уже не шутят, а вполне серьезны, но кажется, что тотальная серьезность подкреплена приемом чего-то запрещенного и «сознаниерасширяющего». Хотя первоначально, рассматривая обложку диска, я ожидал чего-то более космического и утопического, в духе романтики семидесятых – но романтику давно уже сменили безысходность и ощущение грядущего апокалипсиса. Одним словом, тексты Letargy Dream во многом представляются излишне «заумными». В этом они соответствуют музыке, точнее, тем целям, которые перед ней ставились – быть заумной и сложной, «не для всех». Она и получилась «не для всех», но музыканты, нарисовав в воображении прекрасный, виртуозный и целостный материал, воплотить его в жизнь до конца не смогли, хотя и очень старались. Музыка скачет по стилям, непредсказуемо меняет направления, демонстрируя нервные метания от энергичной наваливающейся тяжести до атмосферных «зависаний» под минорно-размытые гитарные партии и винтажные клавиши, отчего ощущение целостности даже не думает возникать. Может быть, виноват немного плоский, прямолинейный звук и не всегда выразительные ударные. Может быть, излишняя сложность – это не сильная сторона Letargy Dream, как бы одна половина их названия не намекала на духовное родство с Dream Theater. Как итог, придется повторить то, что было сказано в начале рецензии, – ощущение от прослушивания «Гелиополиса» аккурат между разгромом и восхвалением. В том смысле, что особенно ругать и громить охоты нет, но и говорить о «шедевральности» тоже не тянет.

Maeror3  28 дек 2010

В 1990 году греческий композитор Вангелис выпустил альбом «The City», эклектичное произведение, заигрывающее со стилистикой fusion и отображающее взгляд автора на современный мегаполис, его разнообразные ритмы, голоса, цвета, смену настроений в зависимости от времени суток. Саундтрек к жизни города показался по тем временам довольно «позитивным», вполне позволительным для обеспеченного маэстро, но вызывающим несколько иное отношение к данному вопросу у большинства людей. «Нашим ответом» «Городу» стал диск «Wasteland» (намеренно или нет вызывающий интуитивные ассоциации с другим альбомом Вангелиса, знаменитым «Blade Runner», из которого сюда перекочевали футуристичные мотивы и некая трагическая безысходность) московского дуэта Cyclotimia, показавшего мегаполис совсем с другой, более пугающей, и, чего уж говорить, реалистичной стороны. Там, где у грека Роман Полански покупает утреннюю газету в рассветной дымке и постепенно тающей тишине, у российских композиторов лязгает металлический ритм, напоминая о процедуре забивания свай, оживают телевизоры, радиоприемники и другие средства вещания, а тьма, которую, казалось бы, изгнали солнечные лучи, никуда не девается, растекаясь по тротуарам черной жижей, омывающей ноги суетливых прохожих, которые не замечают не только ее, но и вообще ничего вокруг. «Wasteland» - это музыка, предрекающая скорый Апокалипсис, крах экономической, религиозной и общественных систем, что, собственно, и происходит в композиции «Same Time Same Place», которая, проведя слушателя сквозь тотальное разрушение, демонстрирует, как все, что казалось незыблемым, постепенно заметается песками времени и навечно исчезает из памяти. А до этого – гимн людскому муравейнику, обитатели которого, вслушиваясь в биржевые сводки и весело болтая в офисах, не видят того, как над ними сгущаются тучи. Зато это видят создатели альбома. Заметно, что на тот период времени они находились под сильным влиянием шведской индустриальной сцены в лице резидентов «Cold Meat Industry», что иногда ярко отражается в звучании альбома. Электронные пьесы Cyclotimia наполнены мерной поступью ритмов, симфоническим тягостным минимализмом, пропитаны религиозными мотивами, от сакральной мощи которых напряженно вибрирует пространство, и без этого получившее жестокие раны от непрекращающегося шквала электронных шумов, стремительно и неожиданно распрямляющихся звуковых спиралей, подавляющих волю изогнутых амплитуд и прочих средств психотропного воздействия на слушателя посредством музыки. Производимый «Wasteland» эффект силен и по сей день – нисколько не потеряв актуальности, этот диск остается одной из самых значимых работ на российской индустриальной сцене.

Maeror3  24 дек 2010

Трио (Матиас Грассов, Рудигер Глейсберг и Карстен Агде) Nostalgia с некоторой периодичностью восстает из небытия, когда эти занятые люди находят время и силы, чтобы собраться и записать очередную порцию загадочной музыки. Источником вдохновения им по-прежнему служат английский мистицизм, зеленые просторы Ирландии со следами древних ритуальных построек и заброшенные кладбища со склепами, каменными статуями ангелов и прочим готическим антуражем. После нескольких лет молчания музыканты оживили проект, обогатив традиционное звучание инновациями, которые давно уже будоражат андерграундную общественность – а именно, сочетанием тяжелого металла с глубоким психоделическим эмбиентом. Такой подход многих поклонников «Ностальгии» может удивить, поэтому, чтобы никого заранее не смущать, музыканты помещают в начало альбома вполне традиционную для себя композицию «Along Lands End» - пятнадцать с половиной минут глубокого статичного гула, наполненного тревожными мотивами, отголосками церковных хоралов, эхом голосов и запрятанной в непроницаемом тумане гипнотической перкуссией. Внешне трек очень похож на то, что Грассов и Глейсберг вместе с Амиром Багири представили в свое время на альбоме «Arcanum», с тем отличием, что здесь угрюмо сгущаются тучи и возникают наплывы гитарного гула, за который отвечает Джон Хаум из Agalloch. Впрочем, его вклад будет заметен в самом конце диска, а пока, после короткого перерыва в виде первой из четырех зарисовок «Short Cut» (симфонические пассажи на фоне диссонирующей мелодии), в дело вступает Торстен Хирш (Nocte Obducta, Agrypnie). Его стараниями «Fullmoon Night on Dunboy Bay» превращается в монолит сомнамбулического атмосферного блэка, рассадник грязного, размытого звука, положенного на похоронный ритм и звонкую заторможенную перкуссию. Промозглая, тревожная вещь, мрачный посланник с «той стороны» и при этом дальний родственник Sun O))). А вот «Glastonbury Gate» заставит вспомнить канадцев Nadja - плотный, зашумленный, гипнотический drone doom, гулкий ритм плюс пронзительные электронные секвенции и зашумленный обрывками гитарного шума фон. Все дальше и дальше уходя от стандартов, заложенных на предыдущих альбомах Nostalgia, создатели «Echoes from the Borderland» окончательно разрывают связи с реальностью, прорывая границы яростными трансцендентными риффами, обрушивая глыбу хрипящего от возбуждения и перегрузок звука, под напором которой перемалываются и голоса церковных певчих, и мистический drone Грассова, и гипнотические секвенции Глейберга – в новой вселенной, получившей название «Dartmoor», все это падет жертвой эмоционального коллапса.
Сами музыканты говорят о том, что все эти гитарные внедрения пришлись им по вкусу, и развитие проекта в дальнейшем будет строиться на их активном использовании. Пока же можно сказать, что немцы, поймав волну современных тенденций, записали качественный и неожиданный альбом, способный вызвать интерес не только у старых поклонников, но и у сторонников более экстремальных стилей. И тем, и тем строго рекомендуется.

Maeror3  23 дек 2010

Миньон финского квартета Astral Sleep, как и дебютный альбом «Unawakening», был издан с некоторым запозданием – «Angel» был записан группой еще в 2008 году, но свет релиз увидел в 2010. Так что пока мы тут медитируем над судьбой падших ангелов, есть вероятность того, что угрюмые северные парни уже подготовили что-то новое и более объемное. Пока же довольствуемся малым – тремя композициями, объединенными одной сквозной темой, что позволяет назвать этот релиз концептуальным со всеми вытекающими последствиями.
Не слишком избегая аналогий с одним весьма известным альбомом Tiamat, участники Astral Sleep исполняют техничный death doom, правда, с некоторыми оговорками. За тридцать с небольшим минут пулеметных очередей ударных, низкого рыка, чистого вокала и быстрых, утяжеленных до неимоверной плотности и вгоняющих в транс гитарных риффов финны успевают зайти на территорию акустического фолка (на несколько минут в третьей части «Ангела», отвоевывая место у своих соотечественников Tenhi), упасть в бездну тотально депрессивного блэка, помедитировать в заснеженных клавишных пассажах и сделать несколько затяжек дымком «растений силы», размывая границы между думом и стоунером. В этом хаотичном наборе кроется главная проблема релиза, с которой авторы даже не думают бороться, наоборот, всячески культивируют ее – это, конечно же, фрагментарность. Композиции часто и неожиданно распадаются на куски, между которыми, на первый, на второй и на третий взгляд трудно проследить взаимосвязи. Только что ураганный гитарный чес и утробный рык сбивали с ног, как вдруг все проваливается в пустоту, вокалист начинает плаксиво жаловаться на жизнь, потом вступает акустика, а после распевных (в духе viking metal) вокальных партий трек вообще может пару минут просто топтаться на месте, словно не зная, что делать дальше - разгонятся и раздувать ярость и злобу, подчеркнутую криками горящих в аду грешников, или утопать в тяжелом, холодном снегу и замирать гаснущей поступью похоронного марша на фоне dark ambient`ного бэкграунда. Слушатель просто не успевает перестроиться, уловить все перепады настроения, не может выйти из ступора и тут же погрузиться в него заново - отсюда и некоторое недоуменное отношение к хорошему, в общем-то, материалу. Во всем остальном – профессиональный среднестатистический death doom с характерными «северными» интонациями, за что скажем спасибо финскому менталитету.

Maeror3  23 дек 2010

На своем новом альбоме англичанин Тоби Янг, несущий всю ответственность за Autoclav1.1, вплотную подошел к Абсолюту или Нирване – к тем загадочным состояниям, когда высший смысл (в данном случае, смысл творчества в целом и музыки в частности) найден, доведен до совершенства и не требует новых поисков и духовных подвигов. «All Standing Room in the Goodnight Saloon» - вымеренный до мельчайших гранул альбом в уникальном стиле Янга, сочетающем традиционный готик-рок, его более современные «синти»-ответвления и «прогрессивную» электронику. Исправно лязгают энергичные и плотные гитарные риффы, невесомые морозно-минорные клавиши плетут узор простых, но привлекательных для слуха мелодий, гипнотически пульсирует навеки выбранный среднетемповый ритм, разгоняя туман мрачноватого, нашпигованного гармоничными деталями эмбиентного фона. Тщательно отшлифованная музыка из подогнанных раз и навсегда элементов оказалась качающей, завораживающей и энергичной, – но кто сомневался в обратном, услышав хоть раз предыдущие творения "Автоклава" «Where Once Were Exit Wounds» или «Visitor Attractions»? Для тех, кто все таки сомневался, Тоби пустил в ход тяжелую артиллерию, пригласив в качестве своеобразной «пасты ГОИ», призванной отполировать эту работу до блеска, Клауса Ларсена из Leaether Strip и Мартина Боувеса из Attrition в роли приглашенных вокалистов, а также девушек с приятными голосами и друзей-музыкантов – и все это для усиления коммерческого потенциала альбома, который должен стать вехой в дискографии Autoclav1.1. Так-то оно так, но почему становится скучно и немного грустно уже к «There's No More Isolation», когда после ударных боевиков «Waxing» и «Conquer This Perception», от которых буквально вибрирует пространство и рука сама тянется к усилителю, чтобы выкрутить громкость на максимум, приходит ощущение, что мелодии пошли по второму, если не по третьему, кругу, превращаясь в бесконечные вариации на одну и ту же тему, построение композиций особым разнообразием аранжировок не блещет, а небольшие абстрактные интерлюдии, вроде «Some Subtle Inebriation», вызывают недоумение? В этом совершенном пространстве пропало что-то важное, сменившись качественной, безупречной…предсказуемостью, позволяющей безошибочно высчитать в уме развитие практически каждого трека и всего альбома в целом. Музыка по принципу «я все настроил, ничего не трогайте» всегда была востребованной, и «All Standing Room in the Goodnight Saloon» отсутствие внимания также не грозит, но над Autoclav1.1 могут начать собираться тучи в самое ближайшее время, если проект так и застрянет в этой точке Абсолюта.

Maeror3  22 дек 2010