Удивительная все-таки группа Primal Scream. Выпустив в 91-м году сверхуспешную "Скримаделику", они фактически нащупали "золотую жилу". Но вместо того, чтобы и дальше идти в обозначенном направлении, обеспечивая 100% коммерческий успех своим пластинкам (пока такая музыка в моде), группа решила продолжить свои поиски. Ведь и "Скримаделика" тоже была экспериментом, хотя и очень удачным. Что ж, можно только уважать ребят за такой подход к творчеству. И вот, спустя целых три года, музыканты выдали на суд публики свой четвертый альбом, который оказался настоящим музыкальным анахронизмом.
В 94-м году, когда по Британии широко шагал брит-поп, превратившись из андерграундного течения в самое популярное и массовое направление рок-музыки на Туманном Альбионе, Primal Scream умудрились выпустить альбом, насквозь пропитанный духом ритм-н-блюза, фанка и соула. Кажется, что музыкантам совершенно не было дела до современных тенденций в музыке, и брать пример с тех же Oasis или Blur они не собирались. И правильно делали.
Хотя “Give Out but Don't Give Up” наверняка и вызвал легкое недоумение у множества слушателей, он оказался довольно успешным. Пластинка дебютировала на 2-й строчке UK Albums Chart (скорее является заслугой громкого имени группы).
Если оценивать данную работу вне всяких временных рамок, а чисто с музыкальной точки зрения, то можно сказать, что это - отличный альбом! Ритм-н-блюзовые корни слышны сразу (критики даже обвиняли группу в излишнем подражании The Rolling Stones). Некоторые песни действительно напоминают творчество "Роллингов", но “Give Out but Don't Give Up”, на самом деле, получился весьма разнообразным. Тут отчетливо слышатся и фанковые мотивы, и R'n'B, и блюзовые настроения, и фирменный почерк группы. Например, «Jailbird» и «Rocks» (хит-сингл, одна из известнейших песен группы) - энергичные рок-н-ролльные песенки в стиле Primal Scream. А вот такие песни как «Big Jet Plane», «Sad and Blue», «Call on Me» и некоторые другие действительно могли бы выйти из-под пера "Роллингов". Это мелодичные, красивые песни с богатыми аранжировками, но настолько стандартные, что можно запросто заскучать во время прослушивания, особенно если Вы не находитесь в романтическом настроении. Но есть здесь и пара "козырных" номеров, которые заметно преображают диск, делая его куда интереснее. Это «Funky Jam» - драйвовый трек, название которого говорит само за себя. В его записи принял участие небезызвестный маэстро фанка Джордж Клинтон. «Free» - красивейший номер с вокалом Дениз Джонсон (ее голос звучит и на других записях Primal Scream), написанный в стиле соул. И «Struttin'» - вариация на тему «Funky Jam». Еще фанковее, еще динамичнее, еще фееричнее! Этот инструментал длится целых 8 минут и является моей любимой композицией на альбоме. Также можно отметить заглавную песню, но она мне нравится несколько меньше из-за раздражающего повторения одноименной фразы.

"Give Out but Don't Give Up" можно обвинить разве что в некотором однообразии «Stones-подобных” песен. В остальном же - это прекрасный альбом для того, чтобы разнообразить свой плейлист. Интересный, отлично записанный и дорогой (в его записи приняла участие целая вереница музыкантов и продюсеров). Да, он появился не совсем в то время, чтобы стать по-настоящему успешным, но Primal Scream это ничуть не смущало. Главное ведь музыка.

Payne  30 ноя 2010

Малоизвестная американская команда Wo Fat явилась для меня настоящим музыкальным открытием. Об этих ребятах известно немного (подробнее можно прочитать на их myspace-странице): в 2003-м году гитарист Кент Стамп вместе с барабанщиком Майклом Вальтером и басистом Тимом Уилсоном основали группу Wo Fat. Вдохновлялись они музыкой Black Sabbath, ZZ Top, Хендриксом и другими Великими. И решили они сокрушить корпоративный капитализм, а заодно показать миру, погрязшему в ню-метале и прочей альтернативщине, что такое настоящая музыка. На данный момент коллектив записал два полноформатных альбома, изданных на независимых лейблах.
"Psychedelonaut" является вторым альбомом, выпущенным Brainticket Records. Как было сказано выше, ориентиры у группы были самые благородные. Включив первый трек, я понял, что Wo Fat оправдали свои заявления на 100%. Их музыка представляет собой смесь стоунера, психоделии и блюза. Композиции строятся на мощнейших, монументальных риффах и длинных импровизационных соло. Гитарный звук очень низкий, с обилием фузового перегруза, что, в общем-то, и позволяет назвать это стоунером. Я не очень силен в этом музыкальном стиле, но структурой песен и общим звучанием Wo Fat больше всего напомнили мне группу Earthless (хотя последние еще более психоделичны и эпичны).
Большинство песен на альбоме длятся более 6 минут, и представляют собой плотную ритм-секцию, основной рифф, вокальную партию и гитарное соло, которое зачастую сопровождает чуть ли не всю песню. И так весь альбом - ни смены звучания, ни смены структуры, ни лирических моментов. Скучный и однообразный альбом? Как бы не так! Дело в том, что все элементы, из которых сотворены композиции, близки к идеалу. Риффы тяжелы, небанальны и по-своему прекрасны. В них, безусловно, чувствуется дух 70-х и стиль Тони Айомми. Соло рождены в угаре психоделического джема, они - чистейшая импровизация без единой фальшивой или "безвкусной" ноты. Ритм-секция весьма разнообразна и напориста. Вокал тоже отличный: хриплый и брутальный голос вокалиста идеально вписывается в звуковую картину. В техническом плане песни сыграны отлично, запись тоже не подкачала. Гитарный звук очень и очень низкий, пропущенный через пару эффектов для получения этого психоделического звучания. Настоящий бальзам на душу. Но "Psychedelonaut" предъявляет определенные требования к акустике. Тут необходима система с "адекватным" басом, потому что музыкальный материал преимущественно колышется в районе низких частот. Бубнящий бас из дешевого сабвуфера или, наоборот, почти полное его (баса) отсутствие может испортить все.
Все треки, как я уже сказал, сыграны в одном ключе, и "проходных" песен нет, поэтому альбом лучше слушать целиком. Однако «Psychedelonaut», «Analog Man», «El Culto de la Avaricia», «Not of This Earth» и «The Spheres Beyond» - наиболее, на мой взгляд, "вкусные" темы. В особенности последняя - это просто путешествие в космос.

Если Вы поклонник стоунера, или если Вы соскучились по “тем самым” риффам, то Wo Fat однозначно стоят внимания. Исключительный стиль, исполнение и подача.
“Wo Fat are true believers. Believers in the Riff.”

Payne  28 ноя 2010

После распада настоящих Guns N' Roses, Сол Хадсон, более известный как Slash, не сидел без дела. Он пробовал себя в самых разных группах: Slash's Snakepit (несмотря на название, это был не сольный проект), Slash's Blues Ball (блюз-роковый эксперимент, так и не подаривший ни одного альбома) и Velvet Revolver, группа, объединившая бывших участников Gn'R (за исключением Иззи Стрэдлина и Эксла Роуза). К моменту выпуска первого настоящего сольника Слэш давно успел стать рок-иконой, легендой и, к тому же, миллионером. Понятно, что с таким положением вещей можно позволить себе полную свободу творчества.
Бытует мнение, что сольное творчество участников легендарных коллективов, как правило, не дотягивает до творчества на уровне группы. Но Слэш и не стал гнаться за той музыкой, которую он когда-то играл в Gn'R, должно быть, понимая, что ничего хорошего из этого не выйдет. Поэтому он просто записал чертовски разноплановый альбом с хорошими песнями и множеством прекрасных артистов в качестве гостей.
Да, первое что бросается в глаза - количество приглашенных звезд. Лемми, Игги Поп, Элис Купер, Оззи Озборн, Дэйв Грол, Дафф МакКаган и другие музыканты из самых разных жанров приняли участие в записи. Слэш наплевал на все стереотипы и, например, пригласил Ферджи и Николь Шерзингер спеть на паре песен. И самое главное, что результат получился отличным. Альбом содержит как более менее каноничные рок-песни, так и весьма современные альт-роковые, а также поп-ориентированные композиции и мелодичные баллады. Получился целый винегрет от Слэша и друзей. Учитывая профессионализм музыкантов, плохо получиться просто не могло. Но единого стиля нет, и песни не связаны между собой даже звучанием. Это больше похоже на сборник.
Большинство слушателей, не признающих ничего, кроме олдскула, такой подход как раз сильно задел. "Ферджи на одной пластинке с Лемми? Да как можно!?". Вообще, поклонникам старого доброго рока здесь, к сожалению, "поживиться" почти нечем. Но любители просто хорошей музыки, скорее всего, найдут альбом интересным.
Хочу выделить несколько наиболее понравившихся песен. «Ghost» c Яном Эстбери, фронтменом группы The Cult и Иззи Стрэдлином - отличная рок-композиция с интересной мелодикой и драйвом. «Back from Cali» с Майлзом Кеннеди из Alter Bridge - одна из лучших и самых запоминающихся песен альбома, с классной гитарной игрой и шикарным вокалом Кеннеди. «Gotten» c Адамом Левином из Maroon 5 - слащавая баллада с "коммерческим" звучанием, но очень и очень приятная, подкупающая своей проникновенностью. «Doctor Alibi» с неподражаемым Лемми - первая по-настоящему рок-н-ролльная песня, в стиле Motorhead, великолепный припев и море драйва. Очередная композиция с Кеннеди - «Starlight», прекрасная мелодичная рок-песня. «We're All Gonna Die» с Великим Игги Попом - особенно радует лирика и задорный припев, в котором Игги призывает нас оттягиваться "на полную катушку", пока есть время. «Baby Can't Drive» с дуэтом Купера и Шерзингер - еще одна из немногих песен, имеющих все атрибуты классического хард-рока (вошла только в расширенные издания альбома).
На самом деле и остальные песни тоже хороши, тут, как говорится, дело вкуса. Но, повторюсь, духа Gn'R тут нет. Совсем. Альбом скорее является примером музыкальной "глобализации", а также видением Слэша того, какой должна быть хорошая музыка. Хорошая и, главное, доступная музыка. Это мэйнстрим чистой воды, но столь хорошего мэйнстрима очень и очень мало. Поэтому спасибо Слэшу и Ко.

Payne  16 ноя 2010

Итак, перед нами новый сольный альбом Роба Хэлфорда. Сразу скажу, что оценить данную работу, абстрагируясь от былых заслуг музыканта, у меня не получилось, хотя изначально я именно так и намеревался поступить. Понятно, что Хэлфорд был одним из лучших вокалистов и фронтменов в музыке с невероятным диапазоном и таким же невероятным количеством разных тембров голоса. Почему "был"? Потому что, как это ни печально, он сильно сдал, это приходится признать. И дело далеко не только в скримах и способности брать высокие ноты, но и в его поведении на сцене, в излучаемой от фронтмена энергетике. От того, как он держался на сцене в 80-е годы, осталась лишь тень былого величия. Неудивительно, впрочем. Безжалостная к себе манера пения не могла не сказаться на голосе. Да и возраст уже не тот. Однако я вовсе не хочу сказать, что ему пора на покой. Он до сих пор способен вызвать восхищение и волны бегущих по коже мурашек своим пением. Талант ведь не пропьешь. По крайней мере, не полностью.
Известно, что Роб всегда тяготел к более тяжелой музыке, чем та, что всегда играли Judas Priest. Об этом говорят и его творческие поиски после ухода из родной группы, и деятельность в группе Fight, и сольные альбомы. Большинству любителей классического звучания Judas Priest такие эксперименты не пришлись по душе (в том числе и мне), но многие приняли сольное творчество Хэлфорда "на ура". Так что это исключительно дело вкуса. Однако позволю себе сказать, что умение Хэлфорда и его соавторов сочинять музыку, как минимум, на порядок уступает композиторскому таланту Глена Типтона и Кеннета Даунинга (гитарный дуэт JP). Именно их перу принадлежат многие из тех гимнов тяжелой музыки, которые мы знаем. Именно они сочинили бессмертные соло и классические риффы, которые с первого прослушивания врезаются в память навсегда. И сольники Роба показали, что он не может сочинять так же. Без них его музыка стала тяжелой, напористой, но прямолинейной и скучной. И новый альбом оказался таким же.
Так мне казалось. Все-таки настрой (на музыку) - удивительное дело. Я, признаться, готовил почти разгромную рецензию и хотел влепить пластинке баллов 6 - не больше. Первое прослушивание не оставило ничего, кроме ожидаемого разочарования. Типичный модерновый метал, состоящий из однообразных перегруженных гитарных аккордов, сыгранных на один манер, бездушных и неотличимых друг от друга соло и банальных вокальных партий. От "интеллигентного" британского хэви не осталось ничего. Выделялось лишь несколько песен, и то, скорее, благодаря пению Роба, а не гитарной игре. Но в процессе прослушивания неожиданно пришел настрой на такую музыку (не знаю, может, это просто акустика прогрелась!), и тут «Made of Metal»показал себя! Все, что я написал выше, можно считать альтернативным мнением. Самое главное, что я не отказываюсь от своих слов. Здесь действительно нет чего-то такого, что заранее стало бы классикой. Но это не мешает буквально "отрываться" под эту музыку. Дичайший ураган, создаваемый сверхплотным металлическим звуком и мощным, пронзительным голосом Роба, сносит барьеры и уносит прямиком в королевство метала, чтобы ты исполнил свой священный долг хэдбэнгинга. Разве не такой должна быть хэви-метал музыка? Такой! "Где были твои уши?" - спрашиваю я себя, когда, наконец, начинаю слышать все эти громовые, эпичные припевы, которые ложатся, как бальзам на душу. Почти весь диск насыщен ими! Как несложно догадаться, большую часть материала составляют скоростные боевики. Баллада вообще всего одна, что такому альбому, безусловно, только на пользу. Самая тяжелая песня «The Mower» очень разумно размещена в самом конце пластинки. Ощутимо тяжелее остальных песен, она, видимо, призвана окончательно добить слушателя. Роб очень убедительно поет скримом, а финальная фраза вообще сбивает с толку: Роб ли это?
Какие-то отдельные песни выделить сложно - все хороши. Но мои фавориты: «Speed of Sound», «We Own the Night», «Hell Razor» и «Thunder and Lightning» - все они несут в себе столь мощный дух олдскула, что словами не передать. Кроме них, конечно, полно и других отличнейших боевиков.
Не могу не сравнить «Made of Metal» с некоторыми другими, относительно свежими релизами от ветеранов британской метал-сцены: «Nostradamus» был возвышенным, эпичным альбомом, с отличной композиторской работой. Этот же куда более приземленный, по-своему эпичный альбом. Он просто другой. Вообще, Judas Priest вряд ли бы выпустили подобный диск. Они бы сочинили и сыграли и более "интеллигентный" материал, как мне кажется. «The Final Frontier» гораздо более богат музыкально, гораздо разнообразнее. Но есть ли в нем такой напор и мощь? «Scream» Оззи Озборна, - современный американизированный хард, проигрывает по всем статьям, на мой взгляд. «The Devil You Know», - последняя, увы, пластинка ветеранов Heaven & Hell, - полная музыкальная противоположность данной работе. А ведь все эти ребята когда-то начинали примерно в одно время, в одном месте.
Хэви-метал давно распался на различные ответвления и испытал влияния более современных стилей. Поэтому мы и можем наблюдать такое количество разных с музыкальной точки зрения альбомов от ветеранов некогда одной сцены. Эту работу, все же, нельзя назвать чистым хэви, "без примесей". Чистый хэви остался в 80-х, это факт. Однако хуже от этого новая работа Роба Хэлфорда не становится.
«Made of Metal» - ключи от машины, которая изображена на обложке альбоме. И головокружительная поездка начинается сразу же с первой песни. Но при условии, если вы находитесь в соответствующем настроении.

Payne   8 окт 2010

Итак, второй и последний на данный момент альбом малоизвестной, но очень талантливой американской группы The Mayan Factor.
Первое, что замечаешь при прослушивании, - группа осталась верна самой себе, сохранив фирменное звучание, сочетающее альтернативу, прогрессив и даже элементы пост-рока. Музыкальная палитра по-прежнему очень богата, каждая песня буквально насыщена звуком самых разнообразных инструментов. И самое главное, что музыкантам опять удалось создать очень цельные композиции восхитительной красоты. Никаких лишних экспериментов или антимузыкальных ходов, вообще ничего лишнего. Даже рэп, который слегка разбавил первый альбом, решено было исключить. Идеальный баланс на грани сложности и мелодичности.
Альбом получился более разноплановым, но при этом несколько потерял в целостности. Если на дебютнике песни несли в себе какой-то единый дух и энергетику, то здесь присутствует разнообразие настроений. Приземленная «Terrorist» сменяется воздушной «Hopi Elders», наиболее близкой по духу к предшествующей пластинке песне; быстрая и относительно напористая «Propaganda» (каламбур, однако!) сменяется депрессивной, полной печали «Recon». Но такое разнообразие - только плюс для столь прекрасной музыки. Можно испытать целый спектр чувств, благо The Mayan Factor способны их вызвать.
Нет смысла выделять какие-то отдельные композиции, каждая стоит того, чтобы быть услышанной. Серьезно, ни одной слабой или выпадающей из общей картины песни я не услышал. И поэтому рекомендую слушать весь альбом целиком.
О таких вещах, как качество игры можно даже не говорить. Все сыграно замечательно, не придраться. Вокал Рэй-Рэя все так же хорош и эмоционален. Хотя я постоянно ловлю себя на мысли, что он банально неразборчиво поет. Зачастую я просто не могу разобрать слов. Скорее всего, это своего рода "фишка".
Вообще, весь альбом, на мой взгляд, - сплошная демонстрация композиторских идей. По этому критерию группа оставляет далеко позади большинство коллективов, которые я когда-либо слышал. Если верить слухам, то их новая работа должна выйти в 2011 году. Очень жду.
Если первый альбом был выстрелом в сердце (который, почему-то, мало кто услышал), то "44" - это контрольный. В голову.

Payne  24 сен 2010

Некоторое время назад я совершенно случайно открыл для себя замечательную группу The Mayan Factor. И это музыкальное открытие оказалось лучшим за последние несколько месяцев. Но обо всем по порядку.

Восхитившись музыкой, я решил разузнать об этом коллективе побольше. К сожалению, моя попытка потерпела неудачу, - информации оказалось катастрофически мало. Известно лишь, что это пятеро ребят из города Балтимор, США, на счету которых лишь два полноформатных альбома. Данный альбом с загадочным названием "In Lake 'Ch" является дебютным, и представляет собой прог-рок. Впрочем, с определением стиля я не совсем согласен. С моей точки зрения, это альтернативный рок, хоть и с сильной прог-составляющей. Но называть эту работу чистокровным прогом я бы не стал.
Заядлые слушатели прогрессива наверняка не найдут здесь технических наворотов, сложнейшей структуры композиций и безумных экспериментов (как у The Mars Volta, например). Кроме того, альбом почти полностью лишен тяжести. Наоборот, это "воздушная" музыка, которая захватывает и уносит слушателя с собой, все выше и выше, с каждой песней. На пластинке представлен очень, ОЧЕНЬ мелодичный материал, с обилием перкуссии и мелодических ходов, свойственных прогрессивной музыке. Акустика переплетается с электрогитарой, ударные и бас очень разнообразны, присутствуют и синтезированные сэмплы, эффекты. Это делает звучание альбома весьма насыщенным и плотным. И есть в этой музыке что-то особенное, какая-то чуть ли не осязаемая атмосфера. Чарующая атмосфера. Под такую музыку хочется закрыть глаза и внимать звуковым волнам, идущим в мозг. Все песни разные, но очень тесно связаны между собой этим характерным звучанием, - в итоге весь альбом слушается на одном дыхании, и, увлекшись, можно даже перестать замечать, как песни сменяют друг друга. Проще говоря, альбом очень цельный. По крайней мере, таковы первые 5 композиций. Начиная с «Warflower», музыка очаровывает и плавно втекает в сознание. Апогеем является «Foreplay» - одна из лучших песен альбома.
Впрочем, не все так просто. Начиная с 6-го трека (а точнее, со второй его половины) нас ждет сюрприз: появляется рэп. Честно говоря, такой поворот несколько встряхивает. И в какой-то момент даже кажется, что парение в облаках закончилось, и начался рэпкор, но это не совсем так. Сама музыка не превращается в "тяжеляк", а остается в рамках общего звучания альбома. Рэп просто вносит разнообразие в исполнение, и, надо признать, прекрасно ложится на музыку! В такие моменты весь потенциал инструментов концентрируется на ритме - словно все они исполняют роль перкуссии. Кстати, то и дело начинает проскакивать словечко "fuck" - все как положено. Но самое главное, что атмосфера никуда не улетучивается. Музыканты сумели органично вплести речитатив в столь тонкий музыкальный материал.
Отдельно стоит сказать о вокалисте. Рэй-Рэй обладает довольно сильным, запоминающимся голосом, и поет он с потрясающим чувством и отдачей. То нежно и легко выводит мелодии, то поет с некоторым надрывом и даже с нотками агрессии (ничего экстремального, правда). А его тембр радует слух.

Итак, общее впечатление об альбоме - прекрасно! Самобытно, оригинально и очень красиво. Продуманный, с хорошим вкусом и непростой с музыкальной точки зрения альбом. Способен доставить массу эстетического удовольствия любителям красивой музыки.
Очень жаль, что такой сильный дебют остался без должного внимания, как и сама группа. Популярность этого коллектива должна быть намного выше. Скорее всего, The Mayan Factor изначально были настроены на андерграунд. И ведь популярность не всегда служит музыкантам добрую службу, верно?

Payne  21 сен 2010

Я долго не мог найти подходящих слов, чтобы начать данную рецензию. Да нет, даже не рецензию. Историю. Слова, которые могли бы выразить мое отношение к этому альбому, будто бы заперты внутри меня. Словно мысли и чувства, которые возникают от прослушивания, не могут найти достойного вербального выражения. Так и есть, в общем-то. "Twilight of the Gods" - это то, что перевернуло музыкальную сторону моей жизни, как бы это ни звучало. Один из самых первых альбомов, что банально "открыли мне глаза и уши". На то, что существуют такие "сокровищницы", подобные данной пластинке. На то, что надо познавать разную музыку, разбираться в ней, постоянно искать что-то. Bathory, однако, не сформировал мне вкус на действительно "тяжелую" музыку (классик-рок и метал в расчет не беру), частью которой и является этот проект одного человека. Поэтому Bathory стоит особняком в моих муз. предпочтениях. Но это все так, вода, вода...
Если коротко и по существу: "Twilight of the Gods" - абсолютный шедевр, величайший викинг-метал альбом и я не верю, что он создан человеком. Черт, он настолько прекрасен, что я действительно слабо представляю, как Куортон мог создать это. "Музыка из Души" и лучшей иллюстрацией этому понятию будет данный альбом. Я знаю, что маэстро начинал свой путь с блэк-метала, фактически являясь основателем этого жанра, наряду, если не ошибаюсь, с Venom. Так вот - разница между его творчеством того периода и его же викинг-альбомами невероятна. ТАК вырасти за достаточно короткий промежуток времени - сей факт потрясает. Я очень рад, что Куортон одумался и реализовал свой композиторский гений, выйдя из тесных рамок блэка.
Если честно, я даже не хочу копаться в этой музыке, описывать ее - это неблагодарное занятие по отношению к "Twilight of the Gods". Но сказать несколько слов все же надо: характерными чертами данного альбома являются довольно тяжелый и медлительный гитарный риффинг, который отодвинут на задний план, очень мелодичные и такие же размеренные соло-партии, практически без всяких скоростных запилов (слава богу!), использование хоралов и акустической гитары. Секрет гениальности в том, что каждый из этих элементов идеален и находится на своем месте. Акустические переборы действительно трогают душу, соляки - чертовски недооцененные произведения искусства, хоралы вкупе с тяжелыми гитарными аккордами создают нечто такое, что невозможно описать словами. И самое главное, что все это составляет ЕДИНОЕ музыкальное полотно, красоту которого я восхвалял выше. Кстати, вокал Куортона, который играет огромную роль в общей картине, на тот момент был очень красив. Пел он замечательно и эмоционально. А вот лирику, признаться, я не разбирал, но догадаться не трудно, чему она посвящена.
Куортон - человек величайшего Таланта. Потому что создать такое может только такой человек. Ему не нужны были огромные деньги, навороченные студии, чтобы создать этот Памятник. Более того, предыдущий альбом, "Hammerheart", вообще записывался в ужасных условиях, а результат - эпохальный викинг-метал релиз. Вот это искусство. Размышляя о том, какое количество “сомнительной музыки” создается в дорогостоящих студиях, и какое количество денег тратится на это, становится с одной стороны грустно, а с другой - чувствуешь воодушевление от того, что есть настоящие творцы.
Я чувствую, что уровень пафоса данного текста начинает превышать разумные пределы. Извиняюсь, но писать об этой пластинке в ином ключе не представляется возможным.
В конце концов все, что написано выше - лишь мое личное восприятие, и оно не может являться истиной. Но будет замечательно, если кто-нибудь, кому еще предстоит послушать этот диск, найдет его таким же замечательным и испытает сходные чувства. Или хотя бы просто насладится музыкой.
Очень жаль, что Куортон безвременно скончался. Кто знает, что еще он мог создать. Но, как бы там ни было, я говорю ему большое спасибо за одно из самых незабываемых и значимых музыкальных путешествий.

Payne  10 сен 2010

Без сомнения, очень многие слышали о группе Eagles (кстати, правильное название именно Eagles, без артикля "the"). Даже у тех, кто никогда не интересовался рок-музыкой, слово "Иглз" вызывает какие-то отдаленные ассоциации наряду с "Куин" и "Скорпионс". И конечно, большинство знают эту группу по одной единственной песне «Hotel California». Честно говоря, никогда не понимал, почему именно эта композиция стала одной из самых известных рок-песен и визитной карточкой коллектива. Ведь у Eagles полно другого, не менее хорошего материала. Взять хотя бы данную пластинку, которую слышали очень немногие.
Немного истории: по сути, все четверо участников коллектива познакомились, будучи приглашенными музыкантами для записи третьего сольного альбома знаменитой кантри-исполнительницы Линды Ронстадт. Это произошло в 1971 году. Они же гастролировали с ней весьма непродолжительное время, а затем решили сформировать свою собственную группу. В итоге эта группа стала самой коммерчески успешной за всю историю США.
Костяк Eagles составили гитарист Гленн Фрай и барабанщик Дон Хенли, который также играл на гитаре. Состав дополнили гитарист Берни Ледон и басист Рэнди Майснер. Примечательно, что все четверо обладали очень хорошими голосами, особенно выдающимся вокалом, на мой взгляд, отличался Рэнди.
Дебютный альбом вышел в феврале 1972 года и стал довольно успешным. Три сингла попали в Top 40, и коллектив сходу стал набирать обороты. Но это все история. Пора перейти к музыкальной части альбома.
Итак, это рок, с сильным влиянием кантри, очень популярного и любимого американцами направления. Группа, очевидно, испытала на себе влияния Нила Янга, Боба Дилана и американского фольклора. Не обошлось и без влияний блюза, что очень характерно для того времени. Звучание совсем нетяжелое, даже для 72-го года. Тут есть и риффы, и соло, но понятно, что все это очень далеко до флагманских рок-групп Британии. Да Eagles и не ставили перед собой задачи быть "тяжелыми". Это просто настоящий американский кантри-рок.
Такие композиции как «Take It Easy», «Chug All Night», «Nightingale» и «Tryin'» - это рок-н-ролльные песенки, полные задора и веселья. Лирика соответствующая. Открывающая диск песня «Take It Easy», на мой взгляд – гимн кантри-рока. Слушаешь, и сразу представляются глубинные штаты Америки со всеми их красотами, пыльная дорога и раздолбанный пикап, на котором ты "мчишься" со скоростью 120 км/ч. Романтика! Кстати, обложка альбома выполнена в соответствующем ключе.
Есть и баллады, которые идеально подходят для исполнения у костра где-нибудь посредине Невады или северной части Аппалачей. Это «Most of Us Are Sad» - очень красивая песня с вокалом Рэнди Майснера, «Train Leaves Here This Morning» с вокалом Берни Ледона и хитовая «Peaceful Easy Feeling» с вокалом Фрая. Все эти песни написаны со вкусом и, несомненно, порадуют слух любителей такой музыки.
Одна из самых лучших и запоминающихся песен на пластинке - блюзовая «Witchy Woman», которую спел Дон Хенли. Кстати, именно он исполнил ту самую "Калифорнию", поэтому его хрипловатый вокал больше всего ассоциируется с Eagles.
Немного особняком стоит «Earlybird», которая вызывает у меня ассоциации с психоделическим роком.
Ну а лучшей песней я считаю великолепную «Take the Devil», исполненную Майснером. Пожалуй, самая небанальная композиция на альбоме. Медленная, довольно тяжелая песня, но не по звучанию, а по восприятию. Больше всего радуют гитарные партии, которые и создают эту мрачную атмосферу. К сожалению, это одна из самых неизвестных песен группы.
Итак, сильными сторонами альбома являются грамотная комбинация разных по настроению песен, разнообразие отличных голосов и очень неплохая композиторская работа. Ну и, что называется, от души. Диск отлично подходит для первого знакомства с группой и расширения кругозора. Как минимум, рекомендую ознакомиться с «Take the Devil», «Witchy Woman» и «Take It Easy».
P.S. Если я когда-нибудь соберусь в Аризону, то первым делом возьму с собой эту пластинку.

Payne  26 авг 2010

Классики метала вернулись, чтобы напомнить, что такое настоящий британский хэви, и как надо его играть. Iron Maiden... волшебные слова для ценителя тяжелой музыки. Группа, которая стала культурным феноменом, снискала мировой успех и фактически закрепилась в мэйнстриме, просто создавая потрясающую музыку, при этом, никогда не изменяя своему стилю. Они не играли панк, когда он доминировал на британской сцене, не заигрывали с глэмом, когда он был в моде, не "рубили" гранж и ню-метал, когда это было столь актуально. При этом, некоторые композиции, созданные гением Стива Харриса и Ко., в музыкальном плане просто затыкают за пояс все вышеперечисленные направления (при всем уважении к глэму!). Единственное, что разделило любителей IM - это эксперименты группы с прогом и общее усложнение музыки после «Brave New World» (или даже после «The X Factor», если угодно). На «AMOLAD» эти эксперименты достигли своего апогея и лично меня заставили усомниться в их целесообразности. Слишком перегруженная и сложная для восприятия получилась музыка. И не было повода считать, что «The Final Frontier» будет написан в ином ключе. К счастью, опасения не подтвердились.

«The X Factor» встретил «Somewhere in Time». Именно так я бы охарактеризовал данную работу. От «Икс Фактора» здешним песням досталось богатство аранжировок, очень красивые мелодические рисунки, переплетающиеся и дополняющие друг друга красивейшие мелодии. От «Somewhere... » данная пластинка унаследовала, как мне кажется, цельную атмосферу. У альбома есть собственное Лицо. То, чего отчаянно не хватало, например, «Dance of Death», который является просто сборником песен.

Хочу заметить, что «The Final Frontier» я оценил не сразу, а только после вдумчивого прослушивания в наушниках и в хорошем качестве. Музыкальный материал преобразился так, что я даже удивился, как я сначала не расслышал всех этих нюансов звучания. Кто-то скажет, что действительно хороший материал прекрасно слушается в любых условиях, однако этот принцип работает далеко не для любой музыки. Еще очень важно слушать альбом целиком. В контексте даже «El Dorado» слушается здорово, а уж про эпики я вообще молчу. Мурашки по коже и только. Представьте: вот вы слушаете и восхищаетесь гитарной гармонией или риффом, а потом это сменятся еще более классным музыкальным ходом. Я сбился со счета, сколько раз я восхищался в такие моменты. А финальная песня - действительно прямой путь в нирвану.

Я искренне восхищаюсь музыкантами Iron Maiden. Дядькам уже всем за 50, а они играют так, как никто другой. Какие здесь гитарные соло! Красивые, запоминающиеся, кричащие - в лучших традициях хэви-метала. Казалось бы, что лучшее в жанре уже давно написано и сыграно, но нет, «Мэйдены» по-прежнему творят свою магию не хуже, чем раньше. Яркий пример феномена, под названием талант. Мастера!

У «The Final Frontier» только две проблемы. Первая: подсевший вокал Брюса Дикинсона. Нет, Брюс по-прежнему великолепен, но по сравнению с его лучшими годами, вокал стал ощутимо слабее. Нет больше той звонкости и былой мощи в голосе. Кажется, что высокие ноты даются ему не без труда. Это естественно, но немного грустно. Вторая: дата выхода. В 2010 году данная работа воспринимается совсем иначе, чем она воспринималась бы, скажем, в середине 80-х. Уверен, если бы этот альбом увидел свет в "Золотую Эру", а вокальные партии исполнялись бы молодым Брюсом, то это был бы один из самых почитаемых и эпохальных альбомов в творчестве «Мэйден».

Итак, для меня это лучший альбом с 95-го года. Ничего кардинально нового, в композициях то и дело слышатся кусочки из предыдущих песен группы или фирменные проигрыши, но это не самоплагиат. Это почерк, стиль. По другому просто быть не могло. «The Final Frontier» выгодно отличается от всего того, что группа делала после 2000-го. Нет перегруженности, есть только музыка. Кроме того, это довольно энергичный альбом, видно, что музыканты хотели вернуть в свои песни былую напористость. И это у них, по-моему, вполне получилось.

Я сомневался между 9-кой и 10-кой, но так получилось, что сейчас я слушаю «When the Wild Wind Blows». А это решило все.

Payne  18 авг 2010

Интересно, есть ли среди поклонников классического рока еще такие счастливые люди, которые до сих пор не слышали данную пластинку? Именно счастливые, потому что кайф от прослушивания этого шедевра у них еще впереди! AC/DC и, в частности, этот альбом в свое время перевернули все мои представления о крутой музыке. До сих пор помню, как я ставил этот диск, выкручивал громкость и отрывался. Да, именно отрывался. Неистовствовал, бесился и скакал с дичайшей энергией, как будто через меня пропускали ток невероятного напряжения и силы. В этом и есть суть и магия музыки AC/DC, а этот альбом - ее квинтэссенция.

После релиза крайне успешного и не менее известного альбома «Highway To Hell», AC/DC заявили о себе на мировом уровне. Однако, триумф сменился трауром: легендарный Бон Скотт, вокалист группы, отправился по рок-н-ролльному шоссе прямиком в Ад. Коллектив даже хотели распустить, но в итоге Бону нашли замену в лице Брайана Джонсона, бывшего фронтмена Georgie. Многим не по нраву голос и манера пения этого вокалиста в виду их специфичности. Однако в 80-м еще непосаженый вокал Джонсона звучал великолепно: высоко, "цепко", контрастируя с плотным и сочным звуком гитар Gibson и Gretsch. По-моему мнению, Брайан идеально вписался в коллектив и не только не развалил группу, но и поднялся вместе с ней на небывалые высоты. Да, потом он окончательно посадит голос, и запоет как Скрудж МакДак, но это будет ближе к началу девяностых.

Я уже сказал, что музыка на этом альбоме - квинтэссенция музыки AC/DC. Конечно, будут еще классные альбомы и хитовые песни, но этот альбом наиболее идеален. В нем действительно идеально все. Риффы? Одни из лучших в хард-роке, так сказать «золотая коллекция». Соло? Они невероятно эмоциональны, дикие и красивые, кричащие и поющие. Припевы? Громовые, хоровые, заряжающие чистейшей энергией. Звучание? Эталонное. Именно коронное сочетание Gibson SG и Gretsch, пропущенных через маршалловское усиление дает этот знаменитый AC/DC-звук. Такого нет ни у одной другой группы.

Отдельно скажу об Ангусе Янге. Куда проще, к примеру, сыграть какое-нибудь сверх-быстрое соло а-ля "Дрэгонфорс", чем сыграть партии Янга так же хорошо, как он сам. Огромное количество нюансов и акцентов при игре вкупе с потрясающим чувством и энергией делает копирование его игры очень трудным. Именно поэтому Ангус Янг - бог.

Сочинить столь идеальный материал для одного альбома было большой удачей. Что и говорить, это второй самый продаваемый альбом в мире (уступает лишь джексоновскому «Thriller»). После «Back in Black» вышел великолепный «For Those About To Rock», а вот «Flick of the Switch» был уже не столь удачным. Но это уже другая история.

Если у вас есть друг или, может быть, ребенок, который в своей жизни слышал только современный мейнстрим, то поставьте (при случае) ему эту пластинку. Вполне возможно, что она снесет ему голову и до конца жизни влюбит в рок-н-ролл. Чистейший, убийственный рок-н-ролл.

Payne   2 авг 2010

Нуждается ли имя Джими Хендрикса в представлении? Один из первых гитарных героев и богов, который для многих так и остается вершиной, любимым кумиром и источником вдохновения. Новатор, экспериментатор, гитарный гений - как только Хендрикса не называли! Конечно, на его звучание повлияли и классический блюз, и ряд групп "британского вторжения", но в 60-х его гитара звучала как ни одна другая. Для тех лет это была "тяжелая музыка", очень смелая и цепкая. Его игрой вдохновлялись и современники, и куда более молодые музыканты. Тони Айомми, Кей Кей Даунинг, Дэйв Мюррей, Стиви Рэй Воэн, Кирк Хэммет - список можно продолжать очень долго. Сейчас, когда слушатели привыкли к сверхскоростным гитарным запилам и разнообразным гитарным эффектам, игра Хендрикса может вызвать недоумение: "и это гитарный бог?". Но более 40 лет назад, когда звукозаписывающая техника была куда менее совершенна, а "миллион нот в секунду" еще никто не играл, Хендрикс воспринимался совсем иначе. Конечно же, это не значит, что сейчас его музыку невозможно оценить по достоинству. Можно говорить какие-то громкие слова: "эта музыка бессмертна", "она как хорошее вино" - и это будет справедливо. Данный альбом имеет ценность не только потому, что он старый и весь такой классический.

Справедливости ради стоит сказать, что альбом был выпущен группой The Jimi Hendrix Experience, а не как сольный альбом Хендрикса. В формировании группы принял непосредственное участие Чес Чедлер, который пригласил Хендрикса в Англию. Хендрикс принял приглашение только после того, как получил обещание познакомить его с небезызвестным Эриком Клэптоном. В конечном итоге, к Хендриксу присоединились басист Ноэль Реддинг и барабанщик Митч Митчелл. В самом начале музыканты исполняли каверы, но успех пришел к ним очень быстро, еще до выхода дебютного альбома. Группа давала множество аншлаговых концертов, и, как это обычно бывает, пристрастилась к алкоголю и наркотикам. Дебютный альбом "Are You Experienced" вышел в 1967 и
стал очень успешным.

Во-первых, при прослушивании альбома сразу дает о себе знать качество записи. Для тех лет оно вполне на уровне, но сейчас избалованным ушам оно может показаться совсем неприемлемым. Шумы, поскрипывания, отсутствие глубины звучания инструментов - все это может испортить впечатление. С другой стороны, "атмосфера", "дух времени", "винтаж" и т.д. - все это чувствуется.
Во-вторых, Джими известен не только как гитарист, но и как неплохой вокалист. На мой взгляд, он обладал очень запоминающимся голосом. Особенно радует, как он произносит разнообразные междометия, и совсем не радует, когда он кашляет в микрофон.
В-третьих, пластинка вышла в двух разных изданиях. Оригинальная британская версия вышла 12 мая 67-го года. Треклист к альбому соответствует именно этому изданию. Американское издание вышло в августе того же года, и оно явно интереснее. Композиции «Red House», «Can You See Me» и «Remember» были заменены на три хитовых сингла «Purple Haze», «Hey Joe» и «The Wind Cries Mary». Прокол, однако, состоит в том, что прекрасный блюз «Red House», на мой взгляд, заменили совершенно напрасно.

В 67-м году в США был расцвет психоделического рока, под влиянием которого в Англии также сформировалась соответствующая сцена. The Jimi Hendrix Experience принято относить к представителям этой сцены. "Are You Experienced" действительно несет в себе элементы психоделии, однако, в остальном - это настоящий блюзовый хард-рок. Музыка на альбоме отлично показывает стиль и манеру игры Джими: запоминающиеся и оригинальные (для тех лет) риффы, соло, несущие в себе практически осязаемый дух наркотического угара, особенная техника и приемы игры (которые пытаются копировать до сих пор, большинство - безуспешно), различные эффекты, без которых не был бы достигнут этот специфический звук. Есть и классические композиции, например,
вышеупомянутая «Red House» - потрясающий номер в лучших традициях "черного" блюза. Здесь Джими показывает свое мастерство блюзового гитариста, играя с потрясающим чувством и энергией. А вот такие номера как «3rd Stone from the Sun« и «Are You Experienced» - примеры музыкальных экспериментов. Тут и психоделия, и джаз, и зачатки фьюжна и спейс-рока. Надо сказать, что почти все песни несут в себе отпечаток психоделии. Что касается треков на американском издании, то это настоящие хиты: очень красивый и спокойный номер «The Wind Cries Mary», напористая хард-роковая «Purple Haze» - одна из самых известных рок-песен, а также кавер на песню Билли Робертса «Hey Joe», которую популяризовал именно Хендрикс.

Отдельной похвалы заслуживают и другие два участника группы. Митч Митчелл - бог ударной установки. Он почти никогда не выбивал один и тот же ритмический рисунок на протяжении песни, поэтому партии ударных всегда были очень разнообразны. Бас, к сожалению, слышно не очень хорошо на студийной записи, но на концертах Ноэль показывал себя как отличный басист.

Неудивительно, что этот дебют стал столь успешным, а коллектив снискал славу и почет, и был введен в Зал Славы Рок-н-Ролла в 92-м году. Мастерство музыкантов и тяга к экспериментам не остались без внимания. На концертах Джими творил совсем безумные вещи, оставляя всех, с кем он делил сцену, далеко позади. Да, сейчас такая музыка, скорее всего, не произведет такого же впечатления (да и качество записи может помешать восприятию), но ценность альбома от этого меньше не становится. По субъективным впечатлениям от прослушивания (не делая скидку на время) я бы поставил 8 баллов. Если же принять во внимание, что это 67-й год, а также то, какое влияние оказала данная пластинка - меньше 10-ки ставить никак нельзя. Да-да, это классика.

Payne   9 июл 2010

Второй и последний альбом очень талантливой группы The Stone Roses увидел свет спустя целых пять лет после выхода знаменитого дебютного альбома. Несмотря на то, что стиль указан как инди-рок, музыка на этой пластинке совсем не похожа на то, что принято называть инди. И с предыдущим альбомом эта работа имеет мало общего. Большинство песен на этой пластинке имеют хард-роковое происхождение с примесями блюза, фанка и фолька. Многие даже называют «Second Coming» трибьютом группе Led Zeppelin, т.к. Сквайр, который один написал абсолютное большинство песен, явно вдохновлялся стилем игры Пейджа. К сожалению, данная работа была встречена очень прохладно, именно из-за непохожести на популярный дебют. Я же считаю музыку, представленную на этом альбоме, абсолютно фантастической.

Во-первых, песни весьма разнообразны, стиль сменяется почти от песни к песне. К примеру, в одной композиции мы слышим фанковое звучание, а другой трек - это уже настоящая электроника, третья песня полна фольковых мотивов, четвертая - рок-н-ролльное веселье со всеми вытекающими. И так на протяжении всего диска. Кроме того, почти на всех треках Сквайр записал по две гитарные партии, поэтому создается впечатление, что гитаристов в группе двое. Открывающая композиция «Breaking into Heaven» дает понять, насколько хороша здесь гитарная игра. Соло в этой песне - что-то совершенно потрясающее; я не устану рукоплескать стилю, мастерству и музыкальному чувству Джона Сквайра.

Отдельной похвалы заслуживает барабанщик Рени, который является примером действительно талантливого музыканта. Ударные партии разнообразны, акценты расставлены там, где надо. Можно отдельно слушать дорожки с ударными и получать эстетическое удовольствие. Бас, кстати, тоже не отстает. Не однообразные повторения одной ноты в зависимости от аккорда (как это часто бывает), а действительно интересные и запоминающиеся рисунки.

Яркий пример прекрасного сочетания инструментов - песня «Daybreak». Под великолепную ритм-секцию Сквайр играет очень фанковые фразы, с характерными глушениями и прочими перкуссионными приемами. Далее вступает органное соло, и все вместе это звучит чертовски феерично. Однажды Мани, басист группы, сказал примерно следующее: "мы всегда играли немного фанк, были самыми темнокожими белыми парнями на планете".

А вот о Яне Брауне нельзя сказать ничего особенного, кроме того, что его вокал идеально ложится на музыку. Без него не сложился бы стиль группы.

Абсолютно каждая песня несет в себе энергетику музыкантов, проходных треков вообще нет. Могу с полным правом констатировать: композиторский талант Сквайра и компании весьма выдающийся. С чисто музыкальной точки зрения - это очень и очень хороший альбом. Он не такой хитовый как дебют, но зато в "попсовости" эту пластинку точно невозможно обвинить. Песни разные, но все они подчинены единому неповторимому стилю группы.

К сожалению (а может и к счастью), «Second Coming» оказался последней работой "Роз". В 96-м году группа прекратила свое существование. Сперва коллектив покинул барабанщик Рени, которого пришлось заменить на время турне. Затем ушел и Сквайр. Кстати, сам Слэш предлагал Яну Брауну стать заменой Сквайру, за что был послан в весьма грубой форме с мотивировкой "Мы ненавидим Guns N' Roses, отвали". Вот так и закончился творческий путь группы.

The Stone Roses оставили после себя два разных, но прекрасных альбома и некоторое количество отличных синглов, самые лучшие из которых представлены на компиляциях и сборниках. Коллектив вдохновил одну из самых успешных британских групп – Oasis и повлиял на множество коллективов, пришедших после них. Феномен их популярности объяснить не трудно: их музыка действительно цепляет, а живые концерты они давали просто великолепные.

Payne  28 июн 2010

Некоторым музыкантам суждено быть первопроходцами и вдохновителями, идти в первых рядах, быть кумирами и героями поколения, символами эпохи, ее зачинателями. Суждено появляться из ниоткуда и переворачивать все с ног на голову, получая любовь и признание. Некоторым приходиться проделывать трудный путь, некоторые получают все и сразу. Британия особенно богата на такие примеры. The Beatles и The Rolling Stones, Led Zeppelin и Black Sabbath, Judas Priest и Iron Maiden - все они уже воспринимаются как классики, которые перевернули мир. Герои этого очерка калибром, конечно, поменьше, но только ввиду относительной "молодости" и куда меньшего периода творчества.

The Stone Roses вышли из андерграундной сцены Манчестера в 80-х годах и, благодаря своему стилю и музыке, стали лидерами и самыми яркими представителями направления, которое получило название «Madchester». Характерной чертой этого направления было обращение к психоделическому звучанию конца 1960-х годов и эксперименты с электронной музыкой. Позднее, оно положило начало брит-попу, которой окончательно закрепился в мэйнстриме, оставаясь там до сих пор, но это уже другая история. «Мэдчестер» же, исчерпал себя к началу 90-х и стал частью истории.

Группа примечательна именно тем, что явилась наиболее талантливым представителем этого направления, одновременно став его символом и популяризатором. Дебютный альбом с одноименным названием считается одним из лучших дебютов вообще, он был прекрасно принят критиками и публикой. Что же это за музыка?
Вообще, неблагодарное это дело, пытаться описать музыку. Можно сказать какие-то общие вещи: гитарный звук очень специфический, почти лишенный перегруза, множество психоделических элементов, структура песен заметно отличается от стандартно-роковой и т.п. Хотя, можно сразу определиться, стоит ли вообще это слушать или нет. Но ведь многое еще и зависит от того как сыграно и подано. А с этим все более чем порядок.

В группу входили вокалист Ян Браун и гитарист Джон Сквайр, которые были школьными друзьями, а также басист Гари Мунфилд и барабанщик Алан Рен. Если объективно, Ян Браун - классическое сочетание плохого вокалиста и отличного фронтмена. Здесь его тихое, слегка синтетическое пение идеально вписывается в общую картину; невозможно представить на месте вокалиста кого-то другого. Сквайр - гениальный, я подчеркиваю, гениальный гитарист. Эпохальное звучание на данной пластинке - его заслуга. Его партии прекрасны, находки - гениальны. На втором альбоме он показал мастерство классического рок-гитариста, но не об этом речь. Мани и Рени - вместе составляют совершенно потрясающую ритм-секцию, особенной похвалы заслуживает барабанщик - просто посмотрите видео с концертов. Кстати, материал на живых выступлениях звучит совершенно эпично, лучше, чем в студийном варианте. Знаменитый концерт в Блэкпуле принято считать эталонным у группы.
Выделю несколько песен: «I Wanna Be Adored» - гениальная песня. Главный рифф - просто секс. Превосходно презентует альбом и создает нужную атмосферу. «Waterfall», «Made of Stone», «This Is the One» - тоже отличные примеры того, что представляет собой музыка на пластинке. «Fools Gold» - знаменитый трек, который использовался в качестве саундтрека к прекрасному фильму «Карты, деньги, два ствола». Представляет собой весьма продолжительный грув в сочетании с риффующей гитарой, крайне запоминающийся мелодиями и вокальной партией. Но главный козырь - «I Am the Resurrection». Я слабо представляю, как описывать одну из моих самых любимых песен. То, что Сквайр начинается творить с гитарой, начиная с середины 4-ой минуты, не поддается никакому описанию. Звуковая феерия.
Да, я очень люблю этот диск, но, даже включая объективность на 100%, я не могу поставить меньше 10-ки. Это эпохальный альбом. Конечно, некоторые будут плеваться - таков мир. Может быть, некоторые песни слишком легки и попсовы, может быть от альбома веет наркотическим безумием, но, черт возьми, он прекрасен. Ребята умели играть, умели сочинять (они и сейчас это делают, но уже по отдельности). Может быть, они оказались в нужное время и в нужном месте. Но, так или иначе, такая музыка была невероятно востребована у публики. Сейчас это уже классика. И корни множества современных британских (и не только) групп уходят корнями именно в ту эпоху.

P.S. Я не аудиофил и не супер эстет, но считаю, что заводить альбом на убитой акустике с mp3 файлов в 192kbps - плохая идея. В свое время я именно из-за этого абсолютно не оценил эту работу.

Payne  22 июн 2010

Должен сразу сказать, что "Screamadelica" - абсолютный неформат на этом сайте, т.к. это, по сути, даже не рок в классическом смысле. Однако раз уж в базе присутствуют Primal Scream, то почему бы не рассказать про эту знаменитую работу шотландцев?

Эпохальный альбом в творчестве Primal Scream, культовый альбом британской сцены 90-х. Именно благодаря этой пластинке к группе пришел коммерческий успех и признание. Сказать, что стиль изменился - не сказать ничего. Это солянка из acid-house'а (да простят меня за такие слова), даба, госпела, рока, фанка и стиля группы.
И вновь потрясающая шотландская точность – альбом снова был выпущен в сентябре и снова с перерывом в два года. Школьный приятель вокалиста Бобби Гиллеспи по имени МакГи в 88-м году решил познакомить группу с британской эйсид-хаус сценой. Ребята сначала отнеслись к этому скептически, но вскоре пристрастились. На одной из рэйв-тусовок они встретили диск-жокея и продюсера Andrew Weatherall'a, и он показал им ремикс их песни «I'm Losing More Than I'll Ever Have», который он использовал для своих шоу. В итоге, после совместной работы над треком, вышел первый сингл «Loaded», который ворвался на 16-ую строчку в британских чартах. Музыканты поняли, что надо ковать, пока горячо, и засели в студии. Было привлечено сразу несколько продюсеров, а клавишник Martin Duffy, который помогал группе записывать альбомы как сессионный музыкант, был принят в коллектив.
Альбом достиг 8-й позиции в чартах, вошел во множество хит-парадов, заработал награду Mercury Music Prize. Коммерция в чистом виде, правда? А что же с музыкой?

С одной стороны, это праздник звука. Танцевальный грув, фанковые басовые линии, потрясающие клавишные вкрапления, всевозможные сэмплы, эффекты, драм-лупы и т.д. И это все складывается в очень крутые треки, которые никак нельзя назвать бездарной однообразной электронщиной. Нет, здесь есть Музыка.
С другой стороны, человек, который любит ТОЛЬКО "тяжелую" музыку, этот альбом вряд ли примет. Но, наверно, есть и те, кто с подобного рода музыкой никогда не сталкивался - тем я смело рекомендую ознакомиться.
Заглавный трек «Movin' on Up» с первых аккордов заявляет, что это хит. Эту песню слышали очень многие, уж больно раскрученная. Песня «Damaged», наверное, наиболее стандартна, а такие вещи как, например, «Slip Inside This House», «Don't Fight It, Feel It», «Loaded» - настоящее танцевальное безумие. «Higher Than the Sun [A Dub Symphony in Two Parts]» отдает психоделией и отчасти подтверждает слухи о наркотической зависимости музыкантов.

Пластинка может доставить тонны удовольствия от прослушивания тем, кто любит разную музыку. Это действительно классический альбом, он словно яркий отпечаток одной из сторон многогранной музыкальной жизни Британии того славного времени. Оценку ставить бессмысленно.

Payne  21 июн 2010

После релиза дебютного альбома в группе осталось три человека: Bobby Gillespie, Andrew Innes и Robert Young, который переквалифицировался в гитариста. Затем состав дополнился басистом и барабанщиком. И тут ребята заиграли рок-н-ролл. Да, главное отличие данного альбома от первого - он драйвовее и круче. Был подписан контракт с Creation Records, выпущен сингл «Ivy Ivy Ivy», а затем и полноценный альбом.
Пожалуй, данная пластинка соотносится с дебютной так же, как The Rolling Stones соотносятся с The Beatles. То есть здесь музыка куда веселее и задорнее, а меланхоличных песен стало куда меньше. Структура песен, риффы, классические роковые соло - все в стиле 60-х годов. Есть и медленные песни, которые стилистически выделяются: «You're Just Too Dark to Care», «You're Just Dead Skin to Me», «Jesus Can't Save Me» и непонятная «Kill the King», в которой вокал наложен на музыку, проигрываемую реверсом. Остальные треки из разряда "включай погромче и отрывайся" - и это здорово! Отдельно хочу выделить совершенно потрясающую песню «I'm Losing More Than I'll Ever Have», которая впоследствии легла в основу сингла «Loaded», проложившего ребятам дорогу в мэйнстрим.
А вот критикам и публике такая смена стиля не пришлась по душе, и альбом был принят очень холодно и не имел успеха. Из чего можно сделать нехитрые выводы. 89-й год - эпоха совсем другой музыки на Туманном Альбионе. Но я считаю, что альбом куда сильнее и интереснее дебютника. Рекомендую любителям старого доброго харда.
Оценка 7+1 балл за песню под номером 5 и общее настроение.

Payne  20 июн 2010

Дебютный альбом, с которого началась история замечательной шотландской группы Primal Scream. Коллектив, формально, принято относить к альтернативному року, инди и т.п., однако творческий вектор этих ребят сильно менялся с течением времени. Всемирная слава и место в мэйнстриме придут в 91-м году, с альбомом "Screamadelica", а это пока лишь, что называется, "проба пера", но довольно удачная и милая.
Начиналось все "как у всех". Бобби Гиллеспи, бессменный вокалист и основатель группы, вдохновлялся панк-роком, играл в местных группах, исполнял каверы песен Velvet Underground и Byrds, затем собрал группу и записал сингл на независимом лейбле. Бобби также стучал в группе The Jesus and Mary Chain, и в итоге ему пришлось выбирать, где продолжить творческий путь. Капитан подсказывает, что он решил остаться с Primal Scream.
Запись дебютника проходила не очень гладко. Был заменен продюсер, привлечены сессионные музыканты, менялся состав группы. В итоге альбом был готов и достиг 62-й позиции в британских чартах. Затем барабанщик Gavin Skinner и гитарист Jim Beattie покинули Primal Scream, и коллектив пришлось комплектовать заново.
Что же представляет собой музыка на альбоме? Очень легкий и мелодичный рок, полная противоположность, скажем, американскому глэму. Тут и слабые отголоски The Beatles, и влияние Byrds и вообще все очень в духе того времени, когда британский андеграунд поднимал голову. Можно назвать это инди-попом. Вообще, "инди" это такая мешанина всего и вся, но музыку на этом альбоме, опять же, можно охарактеризовать просто - легкая, очень легкая гитарная музыка с приятным вокалом и текстами про любовь. Плохо это или хорошо? Решать вам. Скорее всего, любители "мясца" от альбома в восторге не будут, но тот, кто хочет расширять музыкальный кругозор, кто ищет что-то новое и кому просто интересно - тем может понравиться. Хочу выделить такие замечательные, на мой взгляд, песни как «Love You», «Imperia», «We Go Down Slowly Rising» и «Leaves». Эти песни запоминаются лучше других и оставляют после себя очень приятное настроение.
В итоге Primal Scream оказали существенное влияние на последующие британские группы, в частности на The Stone Roses, а это уже знаменитая мэдчестерская волна.

Если постараться быть объективным, то альбом заслуживает 6-ти баллов.

Payne  20 июн 2010

Нового альбома Эйса Фрейли поклонникам этого замечательного музыканта пришлось ждать ровно 20 лет. Казалось бы, сколько всего можно насочинять за эти годы? После выпуска очень крутого, на мой взгляд, сольного альбома «Trouble Walkin'» в 89-ом, наступили большие пробелы в творчестве музыканта, вплоть до 1996 года, когда Эйс вернулся в «KISS». В 2002 году он снова покинул "родную" группу, и, видимо, уже навсегда. Материал этого альбома записывался два года, что очень ярко свидетельствует о том, что Фрейли не торопился. Логично было бы предположить, что альбом получится крайне вылизанным и продуманным. Еще бы, столько лет его вынашивать! Теперь несколько подробнее:
Открывается альбом с тяжелого риффинга боевика «Foxy & Free», и сразу замечаешь, что звучание несколько утяжелилось. Конечно, оно осталось в рамках стиля, но гитарный звук действительно стал гораздо мощнее, "гуще" и "плотнее" по сравнению с тем, что раньше было у Фрейли. Впрочем, ничего удивительного, ведь другие работы гитариста приходились на 70-ые и 80-ые годы. В общем, звучание приближенно к современным стандартам. Это ни в коем случае не плохо, ведь в целом оно просто отличное! Очень радует и вокал. Голос Эйса почти не изменился с годами, он все такой же заводной, рок-н-рольный и прекрасно ложится на музыку. Разве что профессиональнее стал.
Для таких песен как вышеупомянутая «Foxy & Free», «Outer Space», «Pain in the Neck», «Too Many Faces», «Sister» и особенно для инструментальной композиции «Space Bear» рецепт предельно прост - включайте как можно громче и начинайте "отрываться" под это. Если вы поклонник старого доброго харда, то это сработает. Если нет, то все равно можно попробовать! Простые, но заводные риффы, громогласные припевы, мощнейшая ритм-секция и, конечно, фирменные, крутые соляки!
Есть на пластинке вещи и посерьезнее. Например, «Genghis Khan». Это композиция с очень интересной гармонией, громоподобным риффингом, странным припевом, эпичной партией солирующей гитары и не менее эпичным выкриком "yeah-yes!". Очень умиротворяющая композиция «A Little Below the Angels», в которой Эйс рассказывает, какое зло исходит от алкоголя, и как хорошо ему теперь живется без него. "I'm better now than then". Не менее приятная «It's a Great Life», в которой Эйс делится своим богатым жизненным опытом. Вдохновляющая «Change the World», с прекрасной лирикой и соответствующей музыкальной частью. А завершает альбом потрясающий "воздушный" инструментал, по традиции названный «Fractured Quantum». Комментировать его незачем, его стоит просто послушать.
Прекрасно, когда музыка пишется не ради денег, славы, обязательств по контракту и пр. Данный альбом - ярчайший пример этого. Творчество из души. Действительно продуманная и цельная работа. Удивительно грамотное сочетание "отвязных" боевиков и красивых, лиричных песен. Кстати, альбом посвящен Эрику Карру и Даймбэгу Дарреллу, ушедшим от нас музыкантам, в представлении не нуждающимся.

Payne  21 апр 2010

Рецензировать альбомы тридцатилетней давности особого смысла нет. Данный очерк - скорее дань уважения альбому, который уже давно вошел в золотой фонд мировой музыки и является классикой рока.
Итак, 79-ый год. В те годы произошло много перемен и знаменательных событий в мире "тяжелой" музыки. Для AC/DC этот год ознаменовался выпуском самого успешного (и, к сожалению, последнего) альбома с Боном Скоттом, одним из самых харизматичных фронтменов в истории. Про смерть этого человека написано достаточно, поэтому повторяться не буду. Остается только гадать, какова была бы дальнейшая история группы, если бы Бон не ушел так рано (ему было 33). Несмотря на название пластинки, от музыки веет жизнерадостностью и весельем (надо сказать, что мрачных песен у AC/DC вообще мало; оно и к лучшему). Группа здесь играет в своем ключе, исполняя заводной хард рок-н-ролл. Другое дело, что ни один альбом этих ребят (до 80-ого года) не был столь шикарным. Все песни на своем месте, все превосходно звучат и просто сносят голову энергией чистейшего рок-н-ролла. Эта пластинка отлично демонстрирует формулу группы: много крутых риффов, ликов и соло + неимоверная энергия = много-много крутости на выходе.
К игре музыкантов нет никаких претензий. Сыгранность братьев Янг всегда была на высоте. Звучание гитар очень сочное и не такое грязное как, например, на альбоме "Let There Be Rock". Просто шикарный гитарный звук. Эталонный, я бы сказал. Ангус Янг выдает убойнейшие и невероятно эмоциональные соло. Малькольм просто дает нужную накачку, создавая основу песен. Идеальный ритм-гитарист! Простая, но четкая и плотная ритм-секция не дает усидеть на месте. Фил Радд всегда был отличным ударником, особенно хорошо играя на концертах. А Клифф Вильямс всегда был просто хорошим басистом AC/DC. Ну, и конечно, вокал... Бон поет очень харизматично, выкладываясь полностью. Он знал, КАК надо петь, как передавать эмоции. Просто послушайте "Night Prowler" или "If You Want Blood (You've Got It)".
Данный альбом - это то, что делает рок-музыку такой крутой. Обязателен к прослушиванию всем поклонникам жанра. Нестареющий шедевр от AC/DC.

Payne   5 мар 2010